Comment trouver ses vrais fans

Pour vivre de sa passion (dans ce cas-ci la musique), il vous faut des fans.  Des vrais!  

Mais quand on n'est pas familier avec l'industrie de la musique, on pense que pour vivre de son art, ça prend des milliers voire un million de fans pour bien vivre.  Faux!

Dans cet article, je vais vous parler de comment trouver vos vrais fans et de plusieurs pistes de solutions pour y parvenir.  

À la fin, vous serez prêt à vous lançer dans votre promotion!

Le vrai nombre de fans

Je vous rassure tout de suite : pour vivre de votre musique, vous n'avez pas besoin de millions de fans ou d'être connu à l'international.  Ça, c'est des bonus de votre succès.

En fait, il y a un nombre précis de vrais fans : 1 000!  Et oui, seulement 1 000 fans pour vivre de votre musique.

  Ce principe a été abordé par Kevin Kelly quelques années auparavant et il mentionne que ce nombre peut s'appliquer dans toute situation que vous soyez entrepreneur, musicien, compositeur, peintre ou peu importe!

1 000 fans peut sembler peu, mais la logique de Kelly était que si chacun de vos fans vous donnent 100$ par année, vous avez 100 000$ brut par année, ce qui est largement suffisant pour bien vivre!

Dans certains cas, vos fans pourraient même acheter pour plus de 100$, ce qui peut vous permettre d'atteindre vos objectifs plus facilement.

Le critère important

Vos fans ne viendront pas à vous (pas tout de suite) au début.  Mais pour trouver vos frans fans, il y a un pré-requis : créer de l'excellente musique!

Bon ok, je sais que c'est très subjectif pour critère, mais faire de l'excellente musique signifie créer une bonne chanson tant niveau écriture, enregistrement, mixage et mastering.  

Autrement dit, il faut que vos chansons aient un son digne des pros.  Chose que je peux vous enseigner dans CompoSimple!

Acquérir ses fans

Oui, bon, ça suffit la publicité!

Une fois que vous avez votre musique, comment en fait vous la promotion?

Si vous êtes un artiste indépendant, je vous conseille en premier lieu d'avoir un site Web où vous présentez en tant qu'artiste et où vous postez des extraits de vos chansons.

Comme j'ai fait pour ma musique personnelle.

Et pourquoi c'est bon d'avoir un site Internet?  Tout d'abord, ça fait professionnel, mais aussi parce que vous devez absolument récolter les courriels de vos fans.

Vous voudrez le faire avec un autorépondeur du genre Mailchimp (gratuit jusqu'à 2000 abonnés).

Même si les réseaux sociaux prennent beaucoup d'ampleur, vous n'avez pas le contrôle sur vos comptes qui peuvent être fermés du jour au lendemain.

Avec les courriels, c'est également plus facile de présenter votre contenu comme vos dernières chansons et ce qui est à venir.

Toutefois, pour bien récolter l'adresse courriel, il vous faudra plus qu'un simple carré qui dit ''Abonnez-vous à mon infolettre''.

Les bons réflexes du courriel

Et non!  Le monde se fout des infolettres.  On reçoit déjà assez de niaiseries comme ça!

En fait, concetrez-vous à offrir quelque chose de grande valeur pour votre futur fan.  Quelque chose qui va lui donner envie de vous donner votre courriel.  

En affaires, on dit un lead magnet ou un aimant à clients.

Dans le cas de la musique, ça peut une copie digitale de votre chanson la plus populaire, une chanson exclusive, des partitions de piano, des tablatures de guitare, un rabais pour de la marchandise...  

Bref, n'importe quoi qui tape à l'oeil (ou à l'oreille vu que c'est de la musique).

Une fois que vous avez leurs courriels, vous pouvez leur écrire pour leur parler de ce que vous offrez, des nouveautés à venir, de produits et services que vous offrez, etc.  

C'est la vraie méthode pour vendre et offrir de la valeur!  Ce n'est pas le genre de truc qu'on fait sur les médias sociaux.

Pour la fréquence de courriels, c'est assez personnel à chacun.

Ça peut être une fois par semaine (comme je fais avec ComposerSimplement), aux 2 semaines, une fois par mois.

L'important est de garder une constance pour construire la relation avec votre fan.  

La pire chose à faire est d'envoyer plein de courriels au début, disparaître pendant plusieurs mois et revenir avec plein de courriels.

Bien sûr, quand vous recevez des courriels de vos fans, prenez le temps de leur répondre pour bâtir la relation de confiance avec eux!

100$ par année?

Des idées pour atteindre ce fameux montant?

Et bien, il n'y a pas de limites à ce que vous pouvez offrir.  Toutefois, je peux vous donner quelques exemples que vos fans peuvent avoir.

  • Single, EP et albums (évidement)
  • Démos exclusifs
  • Albums Live
  • Marchandise (t-shirts, tasses, DVD, photos autographiées)
  • Concerts virtuels

Sinon, il existe des plateformes qui peuvent offrir un abonnement mensuel ou annuel.  

Personnellement, je suis sur Bandcamp, mais ma collègue Laura Gagné utilise Patreon qui fonctionnement extrêmement bien pour elle.

D'ailleurs, je vous poste ici la vidéo de mon entrevue avec Laura où elle me parle d'elle et notamment de Patreon.

Le gros avantage des plateformes comme Patreon ou Bandcamp est que vous pouvez mettre un abonnement du genre 10$ par mois et vous pouvez offrir du contenu à ne plus finir à vos fans.

10$ par moi, ça fait 120$ par année.  Votre 100$ par fan est atteint!

Conclusion

Vous pouvez très certainement construire votre base de fans avec toutes les méthodes offertes.  Le courriel reste cependant la plus efficace et la plus éthique.

Seulement 1000 fans!  Toutefois, même si ce n'est pas une progression linéaire, il est possible que vous pouvez construire en l'espace de quelques mois, à l'intérieur de 2 ans si vous avez une excellent stratégie.

Si vous voulez plus de contenu sur la promotion de la musique, je vous offre mon livre ''Musique Entendue'' qui couvre ce sujet.

Et vous?  Que faites-vous pour promouvoir votre musique?  Écrivez-moi tout ça en commentaire!

3 trucs pour varier ses suites d’accords

Tout le monde connaît les fameuses suites d'accords comme I-IV-V, I-V-vi-IV, ii-V-I et autre.  Mais même si on cherche pas à réinventer la roue, comment peut-on varier ses suites d'accords sans que ça sonne comme du déjà-vu?  Peut-ont les écrire nous-mêmes?  Pour ça, je vais vous donner 3 trucs pour varier ses suites d'accords.

À la fin, vous serez mieux outillé pour écrire une excellente harmonie qui sonne plus originale.

Juste avant de commencer, si vous voulez des combinaisons d'accords qui ont déjà fait leurs preuves, je vous invite à vous procurer mon guide sur contribution volontaire ''17 progressions d'accords à essayer pour sa prochaine chanson'' disponible dans la boutique.

Guide 17 progressions d'accords

Jouer des accords étendus

Un accord est considéré comme étendu quand il est composé de 4 notes ou plus.

Pour faire un rappel, un accord de base est constitué de 3 notes : Fondamentale, tierce et quinte.  Si vous n'êtes pas trop familier avec ces termes, cet article peut vous aider.

Quand on construit des accords étendus, on y ajoute des notes comme la septième, la neuvième, la onzième et la treizième.

Toutefois, pour faire des accords étendus, il y a un pré-requis : connaître la gamme dans laquelle vous composez.  Dans mon exemple, je vais prendre la très classique gamme de Do majeur.

Do - Ré - Mi - Fa - Sol - La - Si - Do

1 - 2 - 3 - 4 - 5 - 6 - 7 - 8

Et comment trouver les notes appropriées?  Vous continuez de suivre le cours de votre gamme comme vous allez voir ici.

Do - Ré - Mi - Fa - Sol - La - Si - Do - Ré - Mi - Fa - Sol - La

1 - 2 - 3 - 4 - 5 - 6 - 7- 8 - 9 - 10 - 11 - 12 - 13

En gardant ma gamme, voici des exemples d'accords étendus : 

  • Do majeur (F.T.Q.) Do-Mi-Sol
  • Do majeur7 (F.T.Q.S) Do-Mi-Sol-Si
  • Do majeur9 (F.T.S.N) Do-Mi-Sil-Ré
  • Do9 avec 13e (F.T.S.N.13e) Do-Mi-Si-Ré-La

Vous pouvez mettre un accord étendu dans votre progression ou plusieurs.

Commencer par la mélodie suivie de l'harmonie

On écrit nos accords et ensuite la mélodie.  Ou on commence par la mélodie et après, on mets les accords.  Oui, ce sont 2 écoles de pensées et chacune d'entre elles sont à la fois avantageuses et désavantageuses.

Si vous commencez par écrire votre harmonie, ça va établir la tonalité dans laquelle votre chanson sera.  De plus, avec des accords solides, ça va venir renforcer votre mélodie.

L'inconvénient de cette méthode est que vous risquez de construire votre mélodie autour de vos accords et ça peut sonner trop mécanique.  À prendre en compte.

Et si vous débutez par la mélodie?  Et bien, cette dernière est l'essence même votre chanson.  C'est de ça qu'on va se souvenir!  Mais le désavantageuse est que vous aurez besoin de connaissance en harmonisation.  Sinon, votre chanson risque de sonner tout croche.

Si vous voulez en apprendre plus sur l'art d'harmonisation, je vous mets un lien de mon guide ''Le guide minimaliste de l'harmonisation''.

Marier accords et harmonie

Mais je veux préciser quelque chose sur le fait de commencer par la méthode en premier.  Quand vous vous y connaissez en harmonisation, vous pouvez carrément créer une progression d'accords qui sort des sentiers battus.

Donc, au lieu d'être I-IV-V ou I-V-vi-IV, vous pourrez avoir de quoi comme I-VII-V, V-I-VII et plus encore.  Faites l'exercice de commencer par votre mélodie et voyez comment vous pourrez faire de quoi de plus original.

Soyez créatifs!

Pratiquez votre harmonisation

Diversifier au maximum

Et oui, diversifiez le plus possible vos accords.

Pour la plupart, je sais que ce point ne veut rien dire, mais je vais l'étaler un peu plus.  Je parle de diversifier vos suites d'accords quand ce sont toujours les mêmes 3-4 accords que tout le monde entende.

Rendu là, il y a plusieurs solutions pour varier : 

Il y a des points qui se répètent, mais l'essence ici est de ne pas hésiter à faire quelque chose de différent.  C'est votre chanson après tout!

Conclusion

Il est vrai que personne n'aime voir sa chanson catégorisée selon ses accords déjà (trop) entendus.  Même si vous n'avez pas besoin de réinventer la roue, vous pouvez tout de même faire de quoi de plus propre à vous et avoir des suites d'accords plus variées.

Et vous?  Que faits-vous pour varier vos progressions?  Écrivez-moi tout ça en commentaire!

La recette d’un hit en 4 étapes

Existe-il vraiment une procédure pour créer un hit? Ou si vous préférez, un tube ou encore une chanson à succès. Qaund je dis  »hit », je parle d’une chanson qui a un très grand potentiel pour se retrouver à la radio et dans des palmarès style Billboard.

La réalité, toutefois, est que quand on prend le temps de décortiquer les chansons populaires, on se rend vite compte qu’elles ont presque toute la même recette. Si produire un tube comme ça vous tente, vous êtes à la bonne place. Je vais décrire chaque élément qui fait d’une chanson un hit et vous pourrez l’appliquer à votre prochain morceau.

D’où m’est venu l’idée?

Après avoir écouté une interview du producteur suédois Max Martin.

Qui est-ce? Un des producteur musicals les plus connus de la chanson pop! Depuis les années 90, plus de 20 de ses chansons produites se sont retrouvés en tête du Billboard Top 100. Je vous énumère quelques morceaux connus :

  • The Weeknd – Blinding Lights
  • The Weeknd – Can’t feel my face
  • Justin Timberlake – Can’t Stop the Feeling
  • Taylor Swift – Shake if off
  • Katy Perry – Roar
  • Katy Perry- Last Friday night
  • Britney Spears – Baby one more time
  • N’SYNC – It’s gonna be me
  • Backstreet Boys – I want it that way
  • Maroon 5 – One more night

Avouez donc que vous aviez l’air des chansons en tête!

Et oui, ce sont toutes des chansons super connues et qui ont fait les palmarès! Mais la vraie question est : comment se fait-il qu’elles aient eu autant de succès?

Globalement, Martin interprète la musique selon l’artiste avec lequel il travaille, mais ici, je vais expliquer chaque point qui fait d’une chanson un hit.

1- Mélodie simple et entraînante

Et oui, je parle encore de la mélodie, le nerf de la guerre de votre morceau. Quand on fait un tube, il faut que la mélodie soit accrocheuse et entraînante. À la limite, il faut même que ce soit minimaliste parce que le simple, le mieux c’est.

Et c’est essentiel de présenter votre mélodie principale dans les 10 premières secondes de votre chanson. Pourquoi? Parce que ça établit le rythme et le style dès le départ et ce sont ces secondes qui retiendront l’attention.

Si jamais vous n’êtes pas trop sûr de comment faire une mélodie, je vous poste 5 étapes pour faire une bonne mélodie. Aussi, je vous donne un petit truc supplémentaire : est-ce que votre mélodie est facile à fredonner/siffler? Si oui, je vous annonce que vous êtes sur la bonne voie!

2 – Durée d’environ 3 minutes

Si vous avez plusieurs chansons dans votre liste Spotify, j’imagine que vous avez déjà vu des Radio edit? Si c’est le cas, ce sont des versions écourtées évidemment faites pour la radio (duh!!).

Les radios internationales ont besoin de faire de la place aux chroniques, aux appels, à la circulation, etc. Alors, les chansons jouées ne doivent pas durer trop longtemps à moiss que ce soit une émission concentrée sur les demandes spéciales.

Donc, on parle en moyenne d’une durée de 2m30 à 3m30. 3 minutes pour couper la poire en 2!

Quant à la durée, je veux ajoute un point de Martin : il faut que votre chanson se rend au refrain en maximum 1 minute, question de présenter l’idée principale de votre morceau. À retenir quand vous allez composez!

3 – Lien entre les paroles et le hook

C’est ici que je vais m’amuser!

Quand on crée un hit, tout est connecté, notamment au niveau mélodie, hook et les paroles. Ça veut dire que la mélodie peut être jouée en instrumental et plus tard chantée. La mélodie peut aussi être un hook.

Le hook est un motif répétitif qui a pour but d’accrocher l’auditeur. Ça peut être mélodique ou rythmique ou encore une vocalise ou un onomatopée. Les paroles doivent être légères, rimées et d’un sens, un peu répétitives pour que l’audience s’en rappelle bien.

Il est possible de tout connecter ensemble.

4 – Structure optimale

Vous connaissez déjà l’intro, le couplet, le refrain et tout ça. Mais ici, je veux mettre l’emphase sur la durée de chacune de ces parties. Parce que les refrains et les couplets sont trop courts ou trop longs, c’est difficile de s’y retrouver de t’anticiper la logique de la structure.

Donc, de quoi aurait l’air la structure d’un hit? Le chiffre va indiquer le nombre de mesures.

  • Intro : 4
  • Couplet 1 : 16
  • Pré-refrain : 4
  • Refrain : 8
  • Couplet 2 : 8
  • Refrain : 8
  • Pont : 8
  • Refrain : 8

Vous pouvez jongler un peu avec le nombre de couplets et refrains, la présence de pré-refrains ou non. Je vous invite à écouter cette vidéo d’Holistic Songwriting qui a parlé de cette structure optimale.

De l’accompagnement?

Donc, pour faire un résumé, les hits ont tous une touche particulière, mais ont beaucoup de similitudes. C’est la recette de Max Martin.

On parle, d’un structure établie avec un nombre de mesures précis, un lien entre hook, mélodie et paroles. La durrée d’un hit dure en moyenne 3 minutes et c’est bon d’atteindre le refrain en une minute. Et finalement, la mélodie doit être simple, accrocheuse et facile à fredonner.

Voudriez-vous apprendre les bases de la composition pour votre prochain hit? Si oui, je vous invite à vous procurer Les 5 aide-mémoires de la composition musicale.

Et si vous voulez vous lancer dans la production musicale, je vous invite à consulter mon programme CompoSimple qui vous fera paser de votre première inspiration jusqu’au mastering professionnel!

4 façons de créer de l’anticipation

L’anticipation est un concept peu utilisé , mais vital en musique. Elle permet de garder l’intérêt du début de la chanson jusqu’à sa fin. Parce que quand l’auditeur sait qui s’en vient, ça le rassure.

Donc, la question est : comment créer de l’anticipation et aussi, comment la construire de manière efficace? Ce sont des choses auxquelles je vais répondre dès maintenant! À la fin, vous saurez comment intégrer l’anticipation dans vos morceaux.

Anticiper une chanson, c’est quoi?

Avant de créer de l’anticipation, encore, faut-il savoir ce que c’est! Comme mentionné plus haut, c’est un concept qui sert à garder l’intérêt de l’auditeur au même niveau que la tension et l’effet-surprise.

L’anticipation est générée par la pensée de quelque chose (habituellement positive) qu’on sait que ça va bientôt se produire. C’est ainsi relié au temps. Exemple typique de la vie quotidienne : vous savez que vous avez une rencontre d’amis dans 45 minutes et vous savez que ça arrive bientôt.

Vous savez également que ça vous génére quelque chose de positif parce que vous allez passer du bon temps. C’est un élément-clé ici : l’anticipation donne quelque chose de rassurant. Ça crée un sentiment d’excitation à l’attente d’une bonne chose. C’est pareil en musique.

Alors, comment l’appliquer à la production musicale?

Changer le volume et la dynamique

C’est la première façon de créer de l’anticipation. Il n’y a rien de pire que de laisser tous les sons de sa chanson au même volume sans créer de variation. C’est plate à mourir!

Une chanson avec anticipation est composée de sons forts et faibles. Si, par exemple, dans l’intro, il y a une mélodie de piano. Forcément, l’auditeur s’attend à ce que  »ça décolle » et que ça devient beaucoup plus fort. Et à l’inverse, quand le moment de la chanson atteint son climax, on s’entend à ce qu’il y ait un retour au calme.

Pour accentuer le changement de volume/dynamique, vous pouvez également faire de l’automation de volume sur certaines pistes et si vous travaillez en MIDI, faites en sorte de ne pas avoir toutes les notes à la même vélocité!

Ça, c’est non!

Varier la hauteur des notes

Un peu similaire au point précédent, mais je vais me concentrer surtout sur la ligne mélodique. Parce que si votre mélodie est toujours jouée dans le même range d’octave, ça devient trop ennuyeux. La solution à ça est de transposer votre mélodie plus haut et plus bas à certains moments de votre chanson.

La mélodie est le nerf de la guerre de votre morceau. Sa présence est de mise et vous pouvez très certainement la mettre de l’avant de plusieurs façons. Par exemple, elle est jouée au piano dans l’intro, chanté dans le refrain, jouée par des instruments en arrière-plan au pont et etc.

De plus, vous pouvez aussi changer la hauteur de d’autres instruments d’accompagnement tout au long de votrre chanson. L’anticipation, c’est aussi savoir qu’il y aura un retour à la normale après un changement.

Établir ses accords

En moyenne, une chanson contient de 3 à 5 accords. Des fois, deux! Quel rapport avec l’anticipation? Et bien, garder les mêmes accords tout au long de la chanson permet justement d’établir les bases solides et l’auditeur va savoir ce qui s’en vient au niveau de l’harmonie.

Vous pourriez avoir 3 accords pour votre intro, les répéter pour vos couplets, en ajouter un 4e pour le refrain, changer d’accords pour le pont et bien d’autres. Ou vous pourriez garder les mêmes durant tout le morceau. À vous de choisir!

Mais c’est bon de garder les mêmes accords car si vous changez trop souvent, l’auditeur ne pourra pas anticiper et ça va générer du stress et il perdra de l’intérêt.

Avancer l’histoire grâce aux paroles

Comme on a vu, les parties d’une chanson ont un but précis. Les couplets vont créer un avancement dans le morceau alors que le pont va représenter l’idée principale. Pour le pont, il viendra faire une cassure brutale avec tout le reste et va être un dénouement marquant.

Et justement, pour générer de l’anticipation, ce sera important de respecter la mission de chacune de ses parties. Si vous présentez une question ou un problème dans le couplet 1, l’auditeur s’attend à ce qu’il passe quelque chose dans le prochain couplet. Si ce n’est pas le cas, il sera déçu!

L’important via les paroles et de ne pas laisser l’audience sur sa faim.

Conclusion

Créer de l’anticipation est très faisable et essentiel pour que l’auditeur écoute notre chanon du début à la fin. Vous pouvez y parvenir avec l’écriture des paroles, les accords établis au cours du morceau et en variant la hauteur des notes et la dynamique des instruments.

On parle souvent de tension et d’effet-surprise en musique, mais l’anticipation a sa place aussi et c’est le mélange de tout ça qui crée un bon morceau.

Et vous? Que pensez-vous de l’anticipation? Quelles méthodes utilisez-vous dans vos chansons? Écrivez-moi tout ça en commentaire!

Quel mode pour quelle émotion

Les modes en musique sont une belle façon de varier la gamme majeure et la gamme mineure. Ionien, Dorien, Éolien et compagnie. Mais à quel moment les utiliser pour quelle émotion? C’est de ça que je parle dans cet article. À la fin, vous utiliserez chaque mode dépendant de l’émotion de votre chanson.

Rappel sur les modes

On sait déjà que la gamme majeure est reliée à la joie et la gamme mineure est associée à la tristesse. Mais quand est-il des modes? Pour vous rafraîchir la mémoire, les modes sont construites celui les notes de la gamme majeure. Je vais prendre un exemple et aussi faire un autre rappel important.

Mise en application

Je vais prendre une gamme très commune pour pas dire cliché : Do majeur!

Do – Ré – Mi – Fa – Sol – La – Si – Do

Maintenant, je vais jouer la gamme de La mineur. Regardez bien les notes.

La – Si – Do – Ré – Mi – Fa – Sol – La

C’est un principe qu’on appelle les gammes relatives. Ce sont des gammes qui sont construites des mêmes notes, mais possèdent une fondamentale (note de départ) différente.

Justement, ce principe de gamme relative est super important à appliquer pour utiliser les modes. Chaque note fondamentale que vous prenez va générer une émotion différente.

Majeure et mineure convertis en modes

Reprenons-nous pour l’instant notre gamme de Do majeur.

Do – Ré – Mi – Fa – Sol – La – Si – Do

C’est ce qu’on appelle le mode Ionien, qui est basé sur le premier degré d’une gamme majeure. Comme c’est la gamme majeure tel qu’on la connait, c’est un mode qui va générer de la joie. Jusque là, je ne vous apprends rien.

Ensuite, je rejoue la gamme de La mineur. (Degré 6)

La – Si – Do – Ré – Mi – Fa – Sol – La

Dans le monde des modes, c’est appellé Éolien. comme c’est la gamme mineure naturelle, c’est fait pour offrir des émotions plutôt tristes.

Maintenant, il reste 5 autres modes qu’on n’a pas encore exploré.

Les 5 autres

Pour ça, il reste 5 fondamentales à essayer pour avoir 5 modes différents : degré 2, 3, 4, 5 et 7.

Pour chaque exemple, je vais reste en Do majeur parce que ce sera plus facile à appliquer.

Commençons par la 2e note : Ré à Ré.

Ré – Mi – Fa – Sol – La – Si – Do – Ré

Ceci est le mode Dorien. Il est utile pour générer des chansons un peu tristes, mais avec une lueur d’espoir.

Ensuite, poursuivons avec la 3e note : Mi à Mi.

Mi – Fa – Sol – La – Si – Do – Ré – Mi

C’est le mode Phrygien. Il est bon pour une ambiance un peu plus sombre.

Je vais poursuivre avec la 4e note : Fa à Fa.

Fa – Sol – La – Si – Do – Ré – Mi – Fa

À partir de la 4e note, c’est le mode Lydien. C’est un mode utilisé pour une atmosphère excentrique et inspirante. Intéressant pour les chansons de trailer et style Épic!

Maintenant, on tombe à la 5e note : Sol à Sol.

Sol – La – Si – Do – Ré – Mi – Fa – Sol

C’est le mode Mixolydien. Il a un côté heureux, mais reste tout de même sérieux.

Finalement, je parle de la 7e note : Si à Si.

Si – Do – Ré – Mi – Fa – Sol – La – Si

Il s’agit du mode Locrien. Il a une sonorité très stressante et lugubre. Il est populaire pour les musiques de films d’horreur et pour les groupes de métal.

Donc, vous pouvez essayer l’exercice avec n’importe quelle gamme majeure et ensuite, vous prenez une note de départ pour ensuite jouer le mode en question! Aussi simple!

Des exemples?

Bien sûr! Donc, voici des chansons connues qui ont été écrites avec chaque mode.

Ionien

Dorien

Phrygien

Lydien

Mixolydien

Éolien

Locrien

La brillance

Pour finir sur les modes, ils génèrent différentes émotions dépendant de laquelle vous choississez. Toutefois, nous avons vu qu’il y a un certain degré d’intensité.

C’est un autre concept : la brillance. Dépendant de l’atmosphère recherchée, certain modes vont être priorisés pour avoir quelque chose de plus brillant ou de plus sombre.

Pour se faire, regardons à nouveau le cycle des quintes.

On a vu que le mode Lydien était très excentrique et basé sur la 4e note (Fa). L’ordre se suit jusqu’à Si qui est basé sur le mode Locrien (le plus sombre).

En pratique, l’ordre complet des modes a l’air de ça :

Lydien (le plus brillant)

Ionien

Mixolydien

Dorien

Éolien

Phrygien

Locrien (le plus sombre)

Conclusion

Même si c’est connecté aux gammes, les modes restent un concept à part, mais super utile en composition musicale. Vous pouvez les utiliser à votre guise selon l’atmosphère et l’ambiance à faire vivre. Et selon les émotions que vous voulez faire véhiculer également.

Est-ce que cet article vous a donné envie d’utiliser les modes? En avez-vous de préférence?  Personnellement, j’aime bien le Dorien et l’Éolien.

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