Le guide ultime de la composition musicale - Composer Simplement

Le guide ultime de la composition musicale

Écrire une chanson est quelque chose de très gratifiant quand on est musicien.  Ça démontre l'esprit créatif et également notre valeur en tant que compositeur.

Par contre, pour ceux qui sont débutants, plusieurs sont confus quant à la procédure de la composition.  Quelle gamme? Quels accords?  Est-ce que ma mélodie est bonne?  

Ce sont des questions très fréquentes quand on ne sait pas par où commencer pour écrire un morceau.

Dans le Guide Ultime de la Composition Musicale, vous allez apprendre tout ce qu'il faut pour commencer à écrire votre morceau!

Que vous soyez à votre première chanson ou pas, ce guide vous offre une panoplie de conseils faciles à appliquer pour rendre votre chanson inoubliable.

De plus, il vous ait possible de télécharger ce guide à tout moment.

Table des matières

Chapitre 1 : Cogitation

D’emblée, ça serait facile pour de vous dire de vous lancer et de voir le résultat.  

Toutefois, avant de commencer à composer votre chanson, voici quelques petits trucs à vous apporter qui pourraient grandement vous écrire votre morceau!

Décider du sujet

Peut-être évident, mais ça l’a toute son importance!  Voulez-vous écrire une chanson joyeuse? Triste? Qui fait bouger? Qui fait réfléchir? Avez-vous un message à passer?

Bien sûr, il ne faut pas de tomber systématiquement dans le côté trop rationnel!

Car sinon, votre spontanéité risque de se faire mettre au silence!  Être spontané, c’est très important quand on compose de la musique!

Par contre, si vous n’avez absolument aucune idée quoi composer, faites seulement improviser!  Les idées peuvent venir plus tard!

Pour ceux qui veulent des idées maintenant

Bien sûr, c'est quand même bon d'avoir un sujet de départ.  Une étude a été effectuée dans le Journal of Advertising Research qui a regardé les chansons des 60 dernières années dans le Billboard’s Hot 100. 

Parmi les plus populaires, la rupture revient le plus souvent. Ensuite, vient la nostalgie, la rébellion pour finir avec l’inspiration et l’aspiration.  

Je vous poste le lien de l’étude ici.  C’est en anglais.

Donc, pour faire partie du Billboard, il faut parler de « perte, désir, aspiration, rupture, douleur, nostalgie et inspiration ».  Ça a l’air cliché, pas vrai?

 

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Avoir des instruments et du matériel

Si vous avez une idée de chanson en tête, une autre chose est importante à savoir : quels instruments possédez-vous?  

Une belle guitare sèche dans le coin de votre salon?  Un piano à queue?  Un violon encore dans son étui?  Une méga-banque d’instruments virtuels issus d’un orchestre? 


Mine de rien, le style musical de votre chanson aura son importance quant au choix des instruments.  

Une guitare acoustique ne suffira pas si vous voulez composer du heavy métal!  Ou encore, un synthétiseur est préférable si vous voulez écrire une pièce de rap.

Dépendant de votre style, vous pourrez mieux sélectionner les instruments nécessaires.  D’ailleurs, faisons travailler votre hémisphère gauche dès maintenant!


Analyse de chanson
Voilà ma partie préféré!  Comme vous avez probablement déjà décidé de votre style, voici mon truc ultime pour bien respecter votre style musical : l’analyse de pièces-modèle!


Attention!  Il ne s’agit en aucun cas de plagier, mais simplement d’analyser la chanson sous différents angles.  Voici ce que je conseille.


Structure : Le plus commun reste Intro-Couplet-Refrain-Couplet-Refrain-Pont-Refrain.  Mais il arrive que ça change!

Tempo : Un tempo a son importance selon le style!  Voyez comme vous taper du pied en écoutant votre chanson de référence.  

Au besoin, utiliser un Tap Tempo (au lieu de taper du pied, vous tapez une touche de votre clavier d’ordinateur).

Instruments : Je viens d’en parler, mais soyez à l’écoute des instruments principaux, mais également de ceux qui sont moins présents.  Les subtilités peuvent faire toute la différence.

Gamme : J’arrive bientôt avec la théorie, mais le type de gamme peut démontrer beaucoup sur le morceau.  Mais si je peux rester simplement, majeur = joyeux et mineur=triste.

Paroles : Quel est le sujet de la chanson?  Les rimes, les métaphores, la description des évènements dans chaque partie?

Bien sûr, sentez-vous libre d’analyser encore plus vos références, mais ce sont mes 5 points de base.

Globalement, c’est ce que je regarde quand j’analyse une pièce de référence!  Évidemment, ça demande plus qu’une écoute!  

Mais si vous voyez autre chose à analyser, sentez-vous libre de le rajouter à votre liste!  

Avec la pratique, vous analyserez des points que je ne vous ai même pas présenté!  

Mais pour l’instant, ces points sont une bonne base!  Je vous donne la liste juste ici dessous!

Chapitre 2 : La théorie essentielle

Chaque fois que je parle de théorie musicale à quelqu'un, j'ai ce genre de réaction.

Pas de panique!  Mon but n’était pas de faire un guide de théorie musicale!  En fait, pour savoir bien composer une chanson, je considère qu’il est important d’en savoir un minimum sur la théorie.  

Ainsi, je vais vous montrer quelques bases théoriques pour que vous puissiez être à l’aise à travers votre composition.

Notes

Il existe un total de 7 notes dans la musique : Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La et Si.  Ça vous dit quelque chose?

Excellent!  Parce qu’une fois que vous aurez commencé à composer votre chanson, ces notes seront gravés dans votre mémoire!

Et bien sûr, il y a aussi les altérations.  C’est quoi, vous vous demandez?  Une altération modifie la note devant laquelle elle est placée.  

Un dièse augmente la hauteur de la note d’un demi-ton alors qu’un bémol la diminue d’un demi-ton. Voilà un petit tableau pour résumer!

flats-and-sharps

Avant que vous me demandez où sont Do-Ré-Mi et compagnie...  Oui, je sais!  En fait, le tableau représente la notation anglo-saxonne.  

Dans les pays anglophones, les lettres sont utilisées au lieu des notes.  Mais le principe reste le même!  Je vous donne un autre tableau!

accord-notation-anglo-saxonne
Rythme

Voilà ce qui va déterminer la durée des notes!  Tout d’abord, je veux aborder la question du tempo.  Le nombre affiché au début d’une partition équivaut les BPM (battements par minute).  

Prenez un métronome et mettez un nombre au hasard.  Les « bip » entendus représentent les battements. 

Aussi, vous pouvez appeler les battements des « temps »!

Une fois que vous avez le tempo, passons aux symboles!  Une ronde vaut 4 temps, une blanche c’est 2 temps, 1 noire 1 temps…  Bon, vu que ça va être long, je vous offre un autre tableau!

équivalences des rythmes

Parallèlement à ça, il y a les symboles de silence.  Sachez qu’inclure des silences dans votre chanson permet à l’auditeur de laisser vivre le message et les émotions transmises!

figure rythme silences

En dernier concernant le rythme, il est important de la signature de temps de votre chanson.  

J’entends par là, comment de temps dans votre mesure.  Parce que sinon, ce sera comme lire un livre sans point, ni virgule!  

Pour des questions de simplicité, je vous recommande 4 temps par mesure

Vous pouvez explorer 3, 5 ou 6 temps, mais 4 reste basique et très classique!

signature de temps
Gammes

Dans la partie sur les notes, j’ai brièvement parlé de la gamme de Do Majeur.  Et bien, venons sur le sujet!  Do-Ré-Mi-Fa-Sol-La-Si. 

Une gamme, c’est un regroupement de notes qui donne une sonorité.  Elles sont carrément le langage de la musique!

Les gammes sont construites à l’aide d’intervalles.  Les intervalles sont la distance qui sépare 2 notes.

2 notes : Seconde

3 notes : Tierce

4 notes : Quarte

5 notes : Quinte

6 notes : Sixte

7 notes : Septième

8 notes: Octave

Ce sont soit des tons ou des demi-tons.  Les gammes majeures et mineures n’ont pas la même structure d’intervalles. Respectivement, ça ressemble à ça.

Gamme de La Majeur
Gamme de La Mineur

Il existe 3 types de gamme mineure : naturelle, harmonique et mélodique.  Pour des raisons de simplicité, je vais utiliser la gamme mineure naturelle!

Accords

Voilà un autre terme qui va vous suivre pendant très longtemps en musique : accord!  

Un accord est un regroupement de notes jouées en même temps. Croyez-moi : une chanson sans accords, c’est bizarre! 

Pour former un accord, il faut un minimum de 3 notes : la fondamentale, la tierce et la quinte. Par exemple, l’accord de Do Majeur sera formé de Do-Mi-Sol.

Accords_3_notes_do_majeur

C’est la base des accords majeurs et mineurs!  Mais comment les différencier?  En l’écoutant bien sûr!  

Comme les gammes, un accord majeur va sonner plus coloré et joyeux alors qu’un accord mineur sonnera plus triste et mélancolique.  

Bon, je sais que ce n’est pas toujours évident quand on débute, mais ça vient avec l’expérience et aussi en connaissant la gamme!

Renversements d'accords

Pour rajouter de la variété à vos accords, vous pouvez jouer un renversement, qui se trouve à être un accord, mais que la position des doigts changent

Les notes sont jouées un octave plus haut ou plus bas, on commence par la fondamentale, la tierce, la quinte, la septième, la neuvième, peu importe!  

Mais en gros, ça rajoute un peu de couleur, de variété au niveau de la musique et ça donne un son assez différent de qu’est-ce qu’on connait des accords habituels et ça évite surtout la monotonie!

Au lieu de jouer Fondamentale-Tierce-Quinte, vous jouez Tierce-Quinte-Fondamentale ou Quinte-Fondamentale-Tierce.  Disons que c'est plus applicable si vous jouez du synthétiseur ou du piano.

Degrés

Pour former vos accords, vous risquez d'entendre souvent parler des degrés.  Ceux-ci sont représentés par des chiffres romains d'un à sept.  

Quand j'ai parlé de la formation d'un accord, j'ai dit Fondamentale-Tierce-Quinte.  Ce sont des degrés! Mais la Fondamentale est plutôt nommée << Tonique >>.

degrés noms

Parmi les 7 degrés, il y en a 3 qui se démarquent : la Tonique, la Sous-dominante et la Dominante.  

Ensemble, le son est « équilibré ».  Il n’y a pas de tension anormale car ils ont de la proximité car chacun est la quinte de l’autre.

Puis, les 4 autres degrés sont considérés comme << faibles >>.

Même si Tonique, Sous-Dominante et Dominante sont omniprésents, il ne faut pas s’arrêter là car juste utiliser ces 3 degrés rend un morceau trop prévisible.  

Voilà pourquoi les 4 autres degrés sont présents.

La sus-tonique (II) est surtout utilisée pour la modulation.

La médiante (III) est une note modale car elle permet de distinguer accord majeur et mineur.  

Par contre, il n’a que peu d’intérêt car il sonne faible dû à sa fonction tonale qui ne donne rien.

La sus-dominante (VI) peut être considérée comme un degré fort car il a une connexion proche de la tonique (I).

La sensible (VII) est une note très particulière car elle vient créer une grosse instabilité dans votre mélodie!  

De ce fait, la note qui suit a besoin de ramener un équilibre.  Sinon, vous allez perdre l’intérêt de l’auditeur!

Que ce soit pour l'harmonie ou la mélodie, les degrés sont ominprésents même si ça l'en a pas l'air.

Envie de lire le guide sans être sur le site Web?  Vous pouvez le télécharger en entrant vos coordonnées!

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Structure

La musique est principalement une affaire d’instinct et d’émotions, mais pour écouter une chanson de manière adéquate, il est important que celle-ci soit logique et structurée.

C’est pourquoi je vous présente les grandes parties d’une chanson et quelques modèles de base.  

Vous avez tous déjà entendu intro, refrain et couplet, n’est-ce pas? Mais connaissez-vous vraiment leur définition? Regardons ça de plus près.

Intro

Abréviation pour “Introduction”, c’est là où la chanson commence (bien sûr!). Globalement, c’est une partie sans paroles, seulement l’instrumental.

C’est à ce moment que les accords principaux sont présentés, qui sont généralement les mêmes que dans le couple et/ou le refrain.

La présence des instruments peut varier d’un à plusieurs. C’est vraiment une question de goût, de style et de qu’est-ce que le compositeur veut insérer comme suspense avant le couplet.

Couplet

Voilà là où l’histoire commence! Quand je parle d’histoire, je parle des paroles que vous avez écrites!

Communément écrit sur 8 mesures, les instruments sont tous présents, mais la lumière sera mise sur les paroles.

Au niveau des rimes, c’est varié, mais AABB et ABAB sont des schémas de base.

Dans une chanson, il y a un minimum de 2 couplets. La structure des couplets reste la même, mais bien sûr on change les paroles pour “avancer dans l’histoire”.
Pré-refrain

Ici, c’est une partie optionnelle. Mais il commence à y avoir un changement au niveau des accords, une nouvelle progression sera installée, quasi-similaire ou même similaire au refrain.

Encore, là il y a des paroles qui progressent vers le refrain.

Refrain

Voilà le plus gros, le nerf de la guerre de votre chanson! L’idée principale de la composition s’y trouve, cette idée doit rester dans l’esprit de l’auditeur.

Ce sera votre vers d’oreille ou “hook” pour les anglophones!  Au minimum, le refrain est répété 2 fois, même 3 fois s’il le faut.

Pont

On fait le pont vers autre chose!! Bon, maintenant que j’ai fini les jeux de mots, le pont est musicalement à part des autres parties.

En effet, les accords changent encore, mais une progression qui n’a que peu ou même pas de lien avec les parties entendues précédemment.

Il sert à briser la répétition qui sonne depuis le début et de rattraper l’attention de l’auditeur.  

Aussi, le pont peut être une montée en intensité qui conduit vers une partie instrumentale appelée “Solo”!

Outro

Votre chanson est terminée! Pour cette partie, c’est un choix artistique.

Donc, plusieurs options s’offrent à vous : un “fade-out”, un court instrumental, une répétition de intro (pareil ou légèrement modifiée) ou finir avec le refrain. À vous de voir!

Structure commune

Maintenant que vous connaissez les parties d’une chanson, voici la plus commune de tous en musique populaire :

Intro-Couplet 1-Refrain-Couplet 2-Refrain-Pont-Refrain-Outro

Ça, c’est le plus simple qui existe!  Mais sentez-vous libre d’essayer et d’explorer. 

Vous pouvez, par exemple, rajouter un pré-refrain, mettre un solo après le pont, finir votre chanson avec le 3e refrain, jouer un 3e couplet après le pont ou le solo et ainsi de suite!

Si jamais vous voulez vous pratiquer dans votre écoute et dans votre côté analytique, je vous invite à analyser la structure des chansons que vous aimez.  Ça vous donnera une meilleure idée! 

Par contre, si vous voulez plus d'idées de structure, je vous invite à aller voir le blogue Écriredeschansons.  Il se base sur des exemples connus.


Chapitre 3 : Faire naître l'inspiration

Inspiration…  Un mot particulier pour tous ceux qui compose de la musique, n’est-ce pas?  Regardons d’abord la définition du mot.  

Selon le site Linternaute, l’inspiration a 4 définitions que je vais regarder plus près :

  1. Action qui consiste à faire entrer de l’air dans les poumons
  2. Idée soudaine
  3. Idée qui pousse à la création
  4. Influence, notamment artistique

La première définition…… Bon ok, laissons tomber!!

La seconde, j’aime bien car ça fait allusion à la spontanéité.  Être spontané, selon moi est la partie la plus importante en musique car ça vient chercher notre côté émotif, l’hémisphère droit de notre cerveau!

Création?  Composition? C’est pas mal la même chose!  Votre idée vous inspire à créer!

Aux dernières nouvelles, la musique est un art, n’est-ce pas?

Selon moi, l’inspiration est la base de la base quand on veut composer une chanson.  Pas d’inspiration, pas de chanson.

3 Fausses croyances

L’inspiration est une des parties les plus difficiles à appliquer et, en même temps, qui arrête le plus les compositeurs.  

Si vous êtes débutant, rassurez-vous!  Le manque d’inspiration peut aussi toucher les plus grands experts!  

Il y a d’ailleurs quelques mythes concernant l’inspiration et la composition en général.

J’attends l’inspiration avant de composer 

Faux et archi-faux!  C’est un des plus grands pièges.  L’inspiration reste principalement une affaire de spontanéité.  

Parfois, ça vient et d’autres fois, ça ne vient pas.  Vous pouvez provoquer son arrivée sans aucun problème!

Je vais vous donner quelques trucs très bientôt!  Mais dans l’ensemble, si vous attendez que l’inspiration vienne à vous, ça risque d’être long!

Il faut être un excellent musicien pour écrire des bonnes chansons

Ce n’est pas obligatoire! L’important reste d’avoir une idée en tête et surtout de l’appliquer!  

Même si vous n’avez que quelques mois d’expérience en tant que musicien, c’est tout à fait possible d’écrire une chanson qui tient la route!

Ceux qui composent de la musique ont ça dans le sang

Bien au contraire!  On ne nait pas compositeur, on le devient!  

Pour certains, apprendre le solfège, la musique, être inspiré peut être plus rapide et plus aisé que d’autres.

Mais comme pour le précédent mythe, du moment que vous avez une idée et que vous vous mettez en marche, vous avez déjà fait plus que la plus grande majorité des personnes qui restent inactives!  Alors, félicitations!!

17 façons d'être inspiré

Nous y voilà!  Je vous avais promis des trucs et astuces pour faire naître l’inspiration, pas vrai?  

Alors, j’ai fait des recherches sur le sujet en plus de me fier à mes expériences personnelles!  

Toutefois, je tiens à voir dire de prendre vraiment ce que vous préférez et non d’appliquer tous les trucs à la lettre!

1 - Écrire sur nos expériences personnelles

Tout le monde est unique et ça, je le crois fermement!  Tout le monde a une histoire à raconter, une opinion, un vécu et j’en passe.  Tout ça combiné ensemble rend une chanson encore plus unique! 

Puisez dans vos expériences vécues : une histoire.  Décrivez-la, définissez vos émotions, ce qui se passe autour de vous.  Inspirez-vous de vos deuils, de vos « premières fois », de vos rêves. Etc. 

Regardez les vidéos et les photos de votre enfance et inspirez-vous de ça!  Vous êtes unique et votre couleur transparaitra dans votre composition.

2 - Avoir de quoi capturer l’inspiration 

Maintenant que vous avez votre inspiration, notez-la!  Pas nécessairement par écrit, mais il peut s’agir autant d’une feuille de papier que d’un enregistreur que de votre téléphone intelligent! 

Si vous vous amusez avec un DAW (Digital Audio Workstation), voilà une autre façon de capturer une mélodie improvisée ou une progression d’accords.  

Toutefois, gardez ça en tête : notez absolument votre moment d’inspiration

La même idée est comme la foudre : elle ne frappe jamais 2 fois au même endroit!

3 - Sortir de chez soi

C'est possible.  Parfois, être seul dans son logement peut être lourd pour l’inspiration.  De plus, on a l’impression de toujours répéter les mêmes choses. 

En sortant de la maison, on rencontre des gens, on fait des activités, on voit des amis, on vit de nouvelles expériences!  La nouveauté est toujours bénéfique pour l’inspiration!  

4 - Tenter une nouvelle activité

Parlant de sortir, exécuter une nouvelle activité peut être inspirant!  En effet, quand on commence de quoi de nouveau, on a souvent beaucoup plus d’énergie

Par exemple, vous commencez un cours de piano alors que vous avez toujours en autodidacte.  

Vous commencez un nouveau programme de musculation alors que vous aviez le même depuis 4 mois.

Désolé pour l’anglicisme, mais quand vous commencez quelque chose de nouveau, vous êtes sur un high!  Alors, profitez-en pour en tirer le plus d’inspiration possible!

5 - Explorer d'autres formes d'art

C’est drôle, on vient de parler de faire des nouvelles activités!  

Quand je parle d’art, je parle autre que la musique : cinéma, littérature, poésie, peinture, sculpture, etc.  La raison est que certains puisent leur inspiration à regarder les choses artistiques.  

Bien sûr, à vous de voir si cette technique s’applique pour vous!

6 - Écouter de la musique (dah!)

Vous voulez écrire une chanson?  Alors, écoutez des chansons!  Bon OK, je sais que ça peut être évident, mais on puisse notre inspiration en écoutant la musique des autres.

Profitez-en aussi pour travailler votre sens analytique : explorer le rythme, la structure, les accords utilisés, la gamme, les instruments présents, la complexité de la mélodie.  

Il y a beaucoup de points à explorer! Attention toutefois : s’inspirer ne veut pas dire plagier!!  Alors, faites gaffe quand vous écoutez la musique des autres!

7 - Utiliser le free-writing​​

Vous voulez une technique d’inspiration?  En voilà une très populaire!  

Le free-writing consiste à écrire tout ce qui vous passe par la tête avec une limite de temps.  Alors, vous écrivez absolument tout et sans censure!

Par la suite, vous faites un retour plus critique et gardez les mots qui vous sont le plus utiles.  Très utiles pour écrire des paroles de chansons!

8 - Utiliser son environnement

C’est vague un peu?  Je parle de prendre un objet ou quelque chose que vous regardez et de vous en inspirez.  

Décrivez l’objet le plus possible : look, odeur, gout, son emplacement, etc.  Normand l’Amour a fait une très longue carrière ainsi!

9 - Se mettre dans un endroit calme

Parfois, le silence est ce dont a de besoin pour créer.  Alors, mettez-vous dans une pièce calme chez vous et surtout, coupe les distractions (cellulaire, ordinateur, radio etc.).  

Vous aurez alors toute votre tête!

10 - Déterminer le moment le plus productif de la journée

Ça l’air si simple, mais pourtant important.  Certaines personnes sont plus productives (inspirées) le matin alors que d’autres le sont le soir.  

Faites le test.  Voyez si vous sortez des mélodies, accords ou autre plus souvent le soir ou le matin!

11 - Le pouvoir de la collaboration

Deux têtes valent mieux qu’une! Alors, trouvez-vous un partenaire pour composer votre chanson! Comme je l’ai dit précédemment, nous nous inspirons les uns les autres.

Votre collaborateur n’est pas obligé d’être un musicien, mais juste une personne plus critique et vous aide à structurer votre chanson!

12 - S'inscrire à des groupes

Je viens de parler de collaboration. Alors, au lieu de juste une personne, allons-y avec plusieurs. Des groupes de discussions (en vrai ou sur Facebook), des forums ou autres.

13 - Laisser reposer

Ici, c’est plutôt laisser reposer l’inspiration que vous avez eu : ne chercher pas à compléter votre chanson en une journée.  

Vous venez d’écrire une partie de votre composition, mais revenez-y 2 ou 3 jours plus tard si c’est toujours ce que vous recherchez à écrire. 

14 - Improviser

Semblable au free-writing, improviser implique soit à chanter en yaourt ou encore de jouer sur son instrument.  

Vous pouvez enregistrer en continu et jouer jusqu’à temps que vous trouvez de quoi d’accrocheur. 

15 - Se donner une pause

J'ai parlé de laisser reposer, mais là, je parle de faire une vraie pause de la composition musicale.  

À appliquer si vous sentez que vous forcez trop.  Quelques jours à ne plus penser à la chanson que vous voulez écrire et vous reviendrez plus fort.

16 - Demander de l'aide

Un complément aux groupes et à la collaboration en général.  Ici, l’important sera de demander aux autres ce qu’ils en pensent. 

Ainsi, vous pourrez avoir des commentaires constructifs pour écrire votre chanson.  Attention toutefois à ne pas trop accumuler ces opinions.

17 - Se donner le droit à l'erreur

Voilà une erreur que j’ai commise souvent à mes débuts.  On veut créer la chanson parfaite et ce, à chaque fois!!

Si vous recevez des critiques, ne le prenez pas personnel.  Prenez ça comme un apprentissage!


Chapitre 4 : Écrire une mélodie inoubliable

Là, on va s’amuser!  Selon moi, la mélodie reste une des composantes les plus importantes d’une chanson.  

Sans elle, votre composition ne sera qu’un ramassé d’accords et de rythmique, mais sans plus! 

Selon le Centre National de Ressources Textuelles et Lexicales, une mélodie signifie :

  • Suite de sons ordonnés selon les lois du rythme et de la modulation d’où résulte un air agréable à entendre.
  • Caractère de ce qui est beau à entendre.

Bon, alors si je résume ça simplement, pour composer une bonne mélodie, il faut que ce soit beau à entendre et que ce soit ordonné selon des règles.  Pas de panique, je vais vous montrer.

Accords ou mélodie d'abord?

Pour écrire votre mélodie, il y a 2 façons de faire :

  • Écrire la mélodie en premier et adapter les accords en fonction.
  • Écrire les accords d’abord et ajuster la mélodie.

Dans l’ensemble, ces deux méthodes marchent très bien! Toutefois, écrire la mélodie en premier représente comment savoir harmoniser!  

Alors qu’avec les accords en premier, vous pouvez parfaitement fredonner votre mélodie et elle s’harmonisera presque tout seul! 

Si vous ne fredonnez pas, vous pouvez réécouter vos accords enregistrés et tentez quelque chose!

Je reviens à ce que je dis toujours : ça dépend de vous!  Mon but n’est pas d’écrire une méthode à suivre à la lettre, mais bien de donner des pistes de début!

Toutefois, je vais vous donner quelques trucs pour bien écrire votre mélodie!

5 astuces pour la mélodie

Nous y voilà!  Une des premières choses à faire est de savoir dans quelle gamme travaillez-vous?

Do Majeur?  La Majeur?  Mi Mineur?  Sol mineur?

Mine de rien, votre gamme va vous faire sauver un temps précieux!  Car ce sera très important pour la suite avec les accords et tout.

1 - Note dans l'accord

En gros, supposément que vous avez votre suite d’accords.  Prenons celle-ci!

Maintenant, je vais vous dire un secret : pour que la mélodie sonne toujours bien, la note jouée au moment de l’accord devra faire partie de l’accord

Pas sûr de comprendre?  Je vais vous montrer!  Je vais décortiquer les 4 accords choisis en écrivant leurs notes.

  • Do Majeur : Do-Mi-Sol
  • Sol Majeur : Sol-Si-Ré
  • Ré Majeur : Ré-Fa#-La
  • Mi Mineur : Mi-Sol-Si

Maintenant que l’on connait la composition des accords, appliquons la règle!

C'est sûr que j’ai pondu quelque chose de très basique, mais comprenez-vous un peu?  

À chaque nouvel accord joué, la mélodie contient une note qui fait partie de l’accord en question.  Ainsi, votre mélodie va toujours bien sonnée!

2 - Appliquer une répétition

Une autre formule gagnante pour une mélodie accrocheuse est la répétition!  

En effet, dans votre séquence mélodique, vous prenez un passage et vous répétez cette partie, mais en gardant la rythmique et vous prenez des notes différentes.  Regardez l’extrait qui suit :

Voyez-vous?  Les mesures 1, 2 et 5 sont identiques au niveau de la structure, mais différents pour les notes!  

Mais ce n’est pas seulement la seule façon d’intégrer la répétition!  Voici quelques autres idées :

  • Changer la dynamique, notamment par des baisses et augmentations de volume
  • Changer l’instrument
  • Changer la rythmique en gardant les mêmes notes
  • Ajouter des techniques harmoniques (ex. : slide ou hammer-on/pull-off pour la guitare, notes fantômes pour la batterie)
  • Ajouter un autre instrument ou un effet

C’était quelques pistes de solution pour garder l’attention sur votre mélodie.  Toutefois, méfiez-vous!  Trop de répétition tue la répétition!

3 - Contraste

Ici, il s’agit de créer deux parties mélodiques différentes afin de justement mettre un contraste!  

De plus, ce changement de mélodie permettra d’ajouter de la tension et de l’intérêt auprès de l’auditeur.  En voici un exemple!

Pour des raisons de simplicité, je l’ai fait sur 8 mesures.  Mais même s’il y a une répétition de motif dans les 2 parties, reste que les autres mesures ne sont pas identiques, surtout la 6e.  Voilà la beauté de la chose!

4 - Variations

Bon ici, je ne me casserai pas la tête.  C’est une combinaison de répétitions et de contrastes!  Et je reprends la même mélodie que vous venez de voir!

5 - Montée et descente de notes variées

Pour qu’une mélodie soit accrocheuse, il est important que ce ne soit pas juste une montée ou une descente au niveau des notes.

Sinon, ce sera juste une démonstration de gamme!  Voyez-vous, la mélodie doit faire vibrer et être vivante! 

C’est pourquoi avoir des passages où la mélodie monte et descend est primordial!  Regardez l’exemple ci-dessous et voyez comment les notes sont placées!

Au final, dites-vous que la mélodie doit comporter de la dynamique, d’où le pourquoi les montées et les descentes ont leur place!

Les degrés pour la mélodie

Bon, je ne vous verrai pas un cours sur les degrés, mais je vais simplement vous expliquer leur rôle pour écrire votre mélodie.

La tonique est la note la plus importante.  En effet, elle représente la fondamentale de la gamme sélectionnée.

Donc, c’est préférable de commencer et de terminer votre mélodie avec cette note, car elle sonne stable et donne aussi un relâchement vers la fin (pour dire que la mélodie est terminée).

Par la suite, la sensible, la dominante et la sous-dominante sont importantes car elles ajoutent un maximum de tension.  

Ainsi, elles ont besoin de la tonique pour retrouver une stabilité.  Vous pouvez improviser quelque chose avec ces notes car ça passe toujours bien.

En ajout, la sus-tonique, la médiante et la sus-dominante contiennent un niveau modéré de tension.  Sans être moins utilisées, il est possible de créer une mélodie sans faire usage de ces degrés.

Par contre, je tiens à dire que ce sont des pistes de départ!  Pas nécessaire de toujours composer des mélodies avec 4 notes!!

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Hook

Hook signifie crochet en anglais.  Donc, quand on parle du hook d’une chanson, on parle de la partie ou d’un court passage qui accroche et ce à quoi tout le monde associe la chanson.

Dans la très grande majorité des chansons populaires, le hook est associé au refrain.  Même si une petite phrase peut être un hook, il ne s’en limite pas juste à ça. 

À vrai dire, n’importe quelle chanson entendue par une audience peut être considérée comme hooky si elle est structurée correctement.

Hook rythmique

Souvenir pour certains?  Possible!  Oui, Stevie Wonder était, à cette époque, réputé pour ces chansons très rythmiques.  Il y a plusieurs éléments d’un hook.  

Entre autres, la rythmique est établie dès le début de la chanson et se poursuit jusqu’à la fin.  Pour faire un hook rythmique, il sera important :

  1. Trouver son rythme en tapant du pied.

  2. Se trouver une progression de 2 accords idéalement (ce sera plus facile pour le départ).

  3. Se limiter à 4 mesures au plan du rythme.

  4. Improviser avec un instrument soit percussif (batterie, tambourine, etc.) ou autre (piano, guitare, basse, etc.). 

    Dépendant de votre niveau, ajoutez une attaque particulière, plus groovy (ex. : strumming pour la guitare, slap pour la basse ou simplement vous laisser aller à la batterie)!

Hook d'intro

Bon ok, je sais qu’il y a plusieurs hooks dans cette chanson, mais je voulais surtout l’accent sur le sifflement du début. 

Première chose dont on se rappelle!  Mais toute la viande autour est important aussi! Comme la guitare dans cet exemple.  Pour faire un hook d’introduction, retenez-ceci :

  1. Combiner 1 ou plusieurs instruments.

  2. Prendre un élément de l’intro qui peut se répéter.

  3. Une fois votre rythmique en place, improviser quelque chose de mélodique.

  4. Prioriser les gammes pentatoniques.  Elles sont plus simples d’utilisation et facile à retenir.

Hook en arrière-plan

Dans le refrain, l’instrument en arrière-plan qui est hooky est le saxophone! 

Pour moi, c’est un élément marquant de la chanson (en plus des paroles)!  Subtil, mais ce type de hook est très efficace.  Pour le faire :

  1. L’instrument en arrière-plan doit se faire sur 2 à 4 temps.  Il doit rester audible, mais sans trop prendre de place dans la mélodie principale.

  2. Prioriser sa place dans le refrain.

  3. Le mélanger à d’autre hooks.  Dans mon exemple, c’était les paroles et “FRAPPE! Dedans la vie!”

Divers conseils utiles

Maintenant que vous connaissez les 3 grands types de hook, il est toujours bon de savoir comment les écrire.

Jouez un combo d’instruments et de paroles.  Pour les paroles, c’est préférable d’y aller pour une phrase simple et courte facile à se rappeler.  

Quant à la musique, le principe de répétition s’applique.  Vous pouvez placer votre hook instrumental autant dans l’intro que le refrain. 

Le choix est autant sur le plan rythmique que mélodique.

Gardez vos hooks courts et répétitifs.  C’est la meilleure façon de faire accrocher vos auditeurs!  

Pour résumer, 2 à 4 mesures pour le rythmique, 2 à 4 temps pour la mélodique et faire répéter entre 2 et 4 fois durant la chanson.  À vous de jouer!

Analyser les chansons hooky et voyez pourquoi tout le monde se rappelle.  Si vous me connaissez bien, vous savez que l’analyse des morceaux est une de mes parties préférées!  

Donc, tant au niveau des accords, des instruments, de la structure de la chanson, voyez ce qui vous accroche.  Le but n’est pas de plagier, mais bien de s’inspirer!

Conclusion sur la mélodie

Pour résumer le tout, vous pouvez autant écrire la mélodie en premier qu’en deuxième.  Assurez-vous de connaître votre gamme utilisée. 

Quand un accord est joué, faites-en sorte qu’une des notes faisant parti de l’accord soit jouée au même moment. 

Vous pouvez utiliser les répétitions pour forger une mélodie dont on va se rappeler!  N’oubliez pas les contrastes et les variations!  

Ais-je parler de mettre des montées et des descentes de notes?  Aussi, rappelez-vous des degrés qui peuvent vous aider au plan théorique!

Chapitre 5 : Faire une excellente harmonie

Là où il y a une mélodie, il y a une harmonie!  Voilà une autre des composantes fondamentales d’une chanson! 

Vous pouvez avoir une solide mélodie, mais sans harmonie, la base n’est pas fondée et votre mélodie a des chances de s’éparpiller!

Comme je suis adepte des définitions, voyons ce que ça dit pour notre chère harmonie!

Bon, comme il y a plusieurs définitions de l’harmonie, je vais me concentrer sur l’aspect musical! Selon Larousse, l’harmonie signifie:

  • Chez les Grecs, coordination et combinaison de sons.
  • Art et science de la formation et de l'enchaînement des accords.
  • Ensemble des instruments à vent, dans l'orchestre.
  • Orchestre formé essentiellement d'instruments à vent (cuivres et bois), de percussions et, quelquefois, de contrebasses à cordes.

Comme je ne fais pas un guide sur l’orchestre, je vais laisser faire la définition #3 et la #4!  Mais les 2 premières sont très intéressantes!

La coordination et la combinaison de sons font référence à l’harmonisation!  Je vais vous en reparler!  

Ce chapitre mettra surtout l’emphase sur la formation et l’enchaînement des accords!  Parce que oui, c’est un art!

L’harmonisation d’une mélodie

J’ai dit que j’en parlerai et bien, c’est le temps ou jamais! Globalement, harmoniser signifie ajouter des accords à une mélodie.  

De plus, les accords doivent bien coller à la mélodie. Voici une mélodie fraîchement écrite.

Cool, n’est-ce pas?  Mais je vais rajouter des accords à cette dernière!

C’est fait!  Aussi simple que ça!  Mais maintenant, je vais décortiquer!

  • Quelle est la gamme : Qu’est-ce que j’ai mentionné au début?  Il est important de connaître la gamme dans laquelle on travaille!  Ceci fait, l’harmonisation sera beaucoup plus aisée!

  • Placer les 3 notes formant l’accord Vous vous rappelez des 3 notes pour former un accord?  La fondamentale, la tierce et la quinte!  Quand vous avez trouvé quel accord mettre, il suffit d’écrire les 3 notes!

Une fois plus expérimenté, vous pourrez ajouter la septième ou la neuvième.  

Pour vous aider, je vais vous présenter coup sur coup l’harmonisation type d’une gamme majeure et mineure.

Majeure
harmonisation gamme majeure
Mineure
harmonisation gamme mineur

Maintenant que vous savez quels accords mettre sur une mélodie, refaisons l’exercice!  Dans un premier temps, je vais le faire pour la gamme majeure et ensuite pour la gamme mineure!

Gamme majeure
Gamme mineure

En fait, si je peux vous donner un truc pour harmoniser, identifiez les notes et soyez familier avec elles.  À chaque fois que vous voulez placer un accord, regardez la note de la mélodie.  

Cette dernière doit correspondre à une des 3 notes formant l’accord.

Ex. : L’accord de Do majeur est formé de Do, Mi et Sol.  Si votre mélodie arrive sur une de ces 3 notes, vous pouvez placer Do Majeur comme accord ou un autre accord qui contient la note en question.

Ainsi, votre mélodie harmonisée sonnera toujours juste!

Quoi faire si je n’ai pas commencé par la mélodie?

Oui en effet!  La méthode d’harmonisation s’applique surtout quand vous commencez par écrire votre mélodie en premier.  

Or, certains musiciens préfèrent commencer par les accords question d’avoir une solide fondation.  Mais encore là, c’est une question de goût et d’inspiration!

C’est pourquoi je vous présente quelques astuces pour former des progressions d’accords!

Créer ses progressions d’accords

I-V-VI-IV. ii-V-iii-I.  Vous avez déjà vu ces chiffres romains?  Et bien, c’est la notation utilisée pour les progressions d’accords!

Voyons comment on peut créer nos propres progressions d’accords!

Comme nous avons déjà vu, les degrés sont représentés par les chiffres romains.  Quand ils sont en majuscules, ce sont des accords majeurs.  Ceux en minuscule sont des accords mineurs.

Refaisons l’exercice pour la gamme de Do Majeur.  Tous les accords ensemble donneraient ça :

C-Dm-Em-F-G-Am-Bdim

Je vais refaire l’exercice avec la gamme de Sol Majeur.  Les notes composant la gamme sont : Sol-La-Si-Do-Ré-Mi-Fa#.  Alors les accords seront :

G-Am-Bm-C-D-Mi-F#dim

Appliquez cette règle à n’importe quelle gamme!  Je vais même vous montrer pour la gamme mineure.

Je prends la gamme de La Mineur et les notes sont : La-Si-Do-Ré-Mi-Fa-Sol.  En passant, La mineur est la gamme relative de Do Majeur.  Alors, c’est normal que ce soient les mêmes notes!

Am-Bdim-C-Dm-Em-F-G

Des exemples?

Ça serait bête de ne pas en parler!  Il ne reste plus qu’à jouer vos accords et quand vous avez trouvé quelque chose que vous aimez, vous le notez avec les chiffres romains!

Pour vous donner quelques pistes, voici des progressions que j’aime bien!

  • I-IV-V : La plus commune!  Une des raisons pourquoi ces 3 degrés reviennent souvent est qu’une fois harmonisée, les accords contiennent les 7 notes de la gamme!
  • I-vi-IV-V : Comme chansons populaires, je connais « Stand by Me » et « Every Breath You Take ».  En exemple, ça donnerait C-Am-F-G.  Essayez et vous verrez que ça sonne bien!
  • I-V-vi-IV : La vidéo date de 2009, mais elle reste toujours d’actualité!  Cette progression est utilisée sur de nombreuses chansons comme “Don’t Stop Believing”.  Vous n’avez pas à réinventer la roue!
  • I-V-iii-VII : Vous connaissez Hans Zimmer, le grand compositeur des trames sonores de films d’Hollywood?  C’est sa progression préférée!
Comment créer SA propre progression d’accords

Comme je l’ai dit, pas besoin de toujours réinventer la roue en composition musicale.  Mais si vous tenez vraiment à faire votre progression d’accords vous-même, je peux vous aider!

En fait, je vais vous poster un tableau sur lequel j’ai travaillé pour former des progressions d’accords.  Le voici!

Pour vous expliquer le tout simplement, c’est un tableau qui sert à créer des suites à 4 accords.  Chaque degré est présent et est assigné à un autre degré. 

Il suffit de choisir un degré et d’en prendre un autre et un autre pour former votre progression!  Prenons des exemples!

  • Ma gamme est Sol Majeur.  Je décide de former ma progression comme ceci : I-iii-IV-ii.  Mes accords vont être les suivants : G-Bm-F-Dm.  Simple, non?  Encore un exemple!

  • Ma gamme est La Majeur.  Mes notes sont les suivantes : La-Si-Do#-Ré-Mi-Fa#-Sol#.  Je prends I-vi-ii-I comme suite.  Mes accords vont être les suivants : A-F#m-Bm-A.  Voilà!

Ça sonne bien?  Normal?  Au niveau des intervalles, certains accords se ressemblent beaucoup.  Résultat : Certains se suivent mieux que d’autres. 

Ce principe s’applique pour chaque degré de la gamme.  Bien sûr, le degré I est la tonique! 

Donc, vu qu’elle est la première note de la gamme, elle peut se retrouver n’importe où dans votre progression!  

Et bien sûr, je vous ai fait un autre tableau, mais pour la gamme mineure!  Le principe reste le même!

Recommençons, voulez-vous bien!

  • Vous travaillez sur la gamme de La Mineur.  Vos notes sont : La-Si-Do-Ré-i-Fa-Sol.  Vous prenez une progression i-iv-VII-i.  Alors, vos accords seront : Am-Dm-G-Am.

  • Vous êtes en gamme de Si Mineur.  Vous avez ces notes-là : Si-Do#-Ré-Mi-Fa#-Sol-La.  Votre progression est i-VI-III-iv.  Votre suite sera : Bm-G-D-Em.  Simple, n’est-ce pas?
En tout temps, sentez-vous libre de mettre plus que 4 accords.  J’ai choisi ce numéro pour des questions de simplicité!
Suite d'accords et cycle des quintes

De toutes les méthodes que je connais pour former les progressions d’accords, le cycle de quintes est, selon moi, la plus facile d’approche et la plus simple d’utilisation!  Voici à de quoi ça l’air!

cycle-des-quintes-simplifi2
L’explication du cycle
  • Le cycle des quintes est en forme d’horloge.  Il y a ainsi un total de 12 notes.  Ce sont les 7 notes principales (Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La et Si) et les 5 autres sont leurs altérations (dièse et bémol). 
  • À l’extérieur du cycle, ce sont les accords majeurs et à l’intérieur se trouvent les accords mineurs
  • Quand on suit le quadrant dans le sens horaire, chacun est la quinte de la note qu’il suit.  Dans le sens antihoraire, chaque note est la quarte.  Quel rapport entre les quartes et les quintes?  Les quartes sont le renversement des quintes!
  • Les numéros entre parenthèses représentent l’armure (le nombre d’altérations présente dans la gamme).
3 façons d’utiliser le cycle des quintes

Par observation, j’ai remarqué 3 utilisations de base pour le cycle des quintes :

  • Prenez n’importe quel accord dans le cercle. Disons…. Do majeur!  Ajoutez l’accord à la gauche (je vous rappelle que le sens antihoraire, c’est les quartes!). Donc, nous avons maintenant Do-Fa. Ça sonne bien, non? Revenez à Do.

    Ensuite, jouez la quinte. Donc, l’accord à la droite qui est…. Sol! Votre progression d’accords est la suivante : Do-Fa-Do-Sol. C’est une suite d’accords très commune! Faites ça, mais avec n’importe quel accord du cercle! Les fondamentales, quartes, et quintes s’enchaînent très bien!
cycle-des-quintes astuce 1
  • Refaites l’étape 1, mais cette fois, au lieu de prendre seulement des accords majeurs (extérieur au cercle), prenez des accords mineurs! Ça va rajouter un peu plus d’émotion! Parlant d’accords mineurs, commençons par ça tiens!

    Prenez l’accord Mi mineur. Ensuite, Do Majeur et prenez l’un après l’autre, les accords de Sol et de Ré. Quelle suite ça donne? Mim-Do-Sol-Ré!
cycle-des-quintes-astuce2

  • Une autre façon d’utiliser le cycle est de prendre n’importe quel accord, d’en choisir un autre plus loin et de revenir progressivement vers l’accord de base!

    Par exemple, vous prenez La, vous sautez directement à Fam et vous revenez dans le sens antihoraire jusqu’à La en choisissant les accords à votre portée! Ça donnerait La-Réb-Fa#-Sol#m-Mi-La! Évidemment, c’est à vous de laisser aller votre créativité!
cycle-des-quintes-astuce3
Conclusion sur le cycle

J’ai eu recours au cycle des quintes plusieurs fois quand j’étais en panne d’inspiration.  Désolé du langage, mais ça m’a démerdé plusieurs fois!  

Or, quand on ne veut pas juste se limiter à cet outil-minute, vous pouvez créer vous-même vos progressions d’accords!


Chapitre 6 : Des paroles à se souvenir

De ce que j’ai appris et d’après d’autres compositeurs, les paroles sont la bête noire pour plusieurs! En effet, elles sont une partie vivante de votre chanson!  

Ainsi, elles peuvent décider si votre chanson est bonne ou pas!  Bien sûr, si on combine le tout avec la mélodie et les accords!

Voilà pourquoi je vous partage 6 grands trucs pour mieux écrire des paroles!

chant
Mes 6 grands conseils

Quand on écrit de la musique populaire, les paroles ont vraiment un rôle important.  Écrire des paroles est une tâche assez complexe! 

Parce que les paroles doivent avoir un impact sur l’auditeur, doivent faire vivre des émotions, ça doit rimer ensemble et tout et tout! 

Donc, c’est vraiment un calvaire pour plusieurs compositeurs.  Voici mes 6 conseils pour bien écrire des paroles!

1 - Connaître le sujet

Ça paraît évident, mais c’est essentiel!  Parce que si vous n’avez pas de sujet, vous allez vous éparpiller!  

En écrivant vos paroles, soyez conscient de qu’est-ce que vous voulez parler.  Un évènement triste?  Une joie?

Un message d’intérêt public que vous voulez dénoncer?  Une histoire inspirée de quelque chose que vous avez lu?  

Tout est possible!  Quand vous savez de quoi vous parlez, l’écriture est beaucoup plus aisée et facile!

2- Se familiariser avec la structure

L'intro, le couplet, le refrain et le pont!  Les différentes parties d’une chanson n’ont pas tous le même impact quand on parle des paroles. 

L’intro sert surtout à introduire l’instrumental et installer l’atmosphère.

Les couplets servent à faire progresser l’avancement de la chanson.  

Il se passe quelque chose dans le premier couplet, ça va changer dans le deuxième et si vous voulez mettre un 3e couplet, il n’y a aucun problème, mais l’important est de raconter votre histoire et à avancer. 

Le refrain, quant à lui, doit rester accrocheur!  En musique populaire, il se répète de 2 à 3 fois.  

Les paroles doivent contenir l’idée principale de la chanson (et le titre bien entendu!). 

Le pont fait aussi avancer l’histoire dans le même principe que les couplets!

3 - Écriture libre (free-writing)

J'en ai déjà parlé dans les chapitres précédents, mais il s’agit d’écrire dans un temps prédéterminé et vous écrivez tout ce qui vous passe par la tête sans aucune retenue, aucune censure! 

Quand vous avez terminé, vous vous relisez et vous faites le tri d’informations et vous gardez ce qui est cohérent!

4 - Métaphores, images et détails

Le conseil le plus important selon moi!  Il ne faut pas que ce soit fade!

Je vous donne un exemple :

Cette fille, j'ai envie de l'embrasser.  

Ça ne dit pas grand-chose!  Mais voici une version plus détaillée et imagée :

Cette fille qui habite mes pensées à chaque jour depuis des mois.  Je ne peux plus résister à mon envie insoutenable.  Je la croise quand soudainement, je lui prends la main et avec tout mon corps, je la plaque contre le mur de ciment qui se trouvait à mes côtés. 

Après quelques ricanements et sourires, nos regards se croisant dégagèrent une intensité si brûlante que même Lucifer en personne ne pourrait supporter la chaleur. 

Fermant mes yeux, je m'allonge passionnément en inclinant la tête sur la côté jusqu'à ce que mes lèvres touchent les siennes et que le temps autour de moi semble s'arrêter.

Faut donner l’impression à l’auditeur qu’il est sur place et qu’il vit tout ça!  Quand vous avez développé ce côté, vos paroles auront vraiment de l’impact!

5 - Installer une progression

Encore là, il s‘agit d’avancer.  Vous racontez une histoire! Pour reprendre mon exemple :

  • 1er couplet : Vous faites la rencontre de cette fille. 
  • Refrain : Vous vous exprimez comment vous êtes fou d’elle. 
  • 2e couplet : vous racontez comment elle occupe vos esprits. 
  • Vous répétez le refrain.
  • Pont : Vous l’embrassez de manière explicite. 
  • Au besoin,  vous parlez de la suite dans un 3e couplet ou vers la fin. 
6 - Agencer avec l'instrumental

En écrivant vos couplets, vos refrains, c’est de les formuler de façon à ce que les rimes soient présentes et surtout faciles à chanter.  Évidemment, vous ne voudriez pas manquer de souffle! 

Faites des tests, écrivez vos refrains/couplets et priorisez les phrases courtes et essayez-vous! En récitant vos paroles, voyez si vous manquez de souffle, corrigez la formulation

Pour vos goûts artistiques, voyez s’il manque des mots, si vous pouvez/voulez ajouter des vocalises, si vous ressentez le besoin de faire une pause.  C’est libre à vous!

Est-ce que c'est tout?  Bien sûr que non!  Je vous offre d'autres conseils fort utiles!
Bonus 7 - Expérimenter les structures

Au début du livre, je parlais des parties d’une chanson.  L’intro, le couplet, le refrain, le pont, etc. La structure ABABCB était la plus commune.

Communément, au lieu d’écrire « couplet et refrain » à chaque fois, A représente le couplet, B le refrain et C le pont.  Donc, ce sera plus simple vous détailler tout ça!

AABA est un exemple classique. AABB aussi, ABACABA pour des chansons plus longues, AAAA pour être plus expérimental.  

Bref, amusez-vous, mais voyez aussi à quel temps vous êtes capables d’écrire!

Bonus 8 - Expérimenter les structures

J'ai pour mentalité que c’est en « composant que l’on devient compositeur ».  Donc, le même principe s’applique pour les paroles.  Prenez l’habitude d’écrire. 

Faites-vous un journal de bord ou un journal personnel dans lequel vous inscrivez toutes vos idées ou n’importe quoi qui vous passe par la tête.  

Ce n’est pas obligé d’être gros! Juste comment vous vous sentez après avoir vécu quelque chose reste une bonne source d’inspiration pour des paroles!

Bonus 9 - Voir les autres chansons

L’analyse!  Que ferais-je sans analyse?  Pitié, probablement! Mais ici, il ne s’agit pas juste d’analyse le sujet de la chanson, mais également la structure des couplets et du refrain. 

  • les rimes présentes
  • la longueur des phrases
  • la répétition des passages
  • la mélodie chantée avec les paroles
  • ce qui accroche le plus
  • et bien d’autres!

*Vos informations sont strictement confidentielles*

Exemples de rimes pour une chanson

Les rimes sont pratiquement essentielles à l’écriture des paroles. En effet, dans la vie de tous les jours, il est plus facile de retenir les choses en faisant rimer.  

C’est une superbe méthode pour avoir des paroles accrocheuses!

Il y a plusieurs méthodes pour faire rimer vos couplets et refrain.

Pour se faire, j’ai pigé dans le Top 50 des dernières années (et aussi dans ma banque de chansons personnelles) afin de trouver quelques exemples de rimes. Alors les voici!
AAAA

Les rimes sont les mêmes dans toutes les phrases.  Comme dans les chansons « Every Breath You Take » de The Police et « Party Rock Anthem » de LMFAO.

Every breath you take (A)

Every move you make (A)

Every bond you brake (A)

Every step you take (A)

Party rock is in the house tonight (A)

Everybody just have a good time (A)

And we gon’ make you lose your mind (A)

Everybody just have a good time (A)
ABAB

Une rime est présente sur la 1ère et 3 e phrase et elles sont entrecoupées d’une autre rime à la 2e et 4e phrase. Comme dans « I Want to hold your hand » des Beatles et « Human » de Rag’n’Bone Man.

Oh yeah I tell you somethin' (A)
I think you'll understand (B)
When I say that somethin' (A)
I want to hold your hand (B)

Maybe I'm foolish (A)
Maybe I'm blind (B)
Thinking I can see through this (A)
And see what's behind (B)

AABB

Une rime les 2 premières phrases et une autre pour les 2 dernières. Mes 2 exemples préférés sont « The Sound of Silence » de Simon & Garfunkel et « Right Here Waiting « de Richard Marx.

Hello darkness, my old friend (A)
I've come to talk with you again (A)
Because a vision softly creeping (B)
Left its seeds while I was sleeping (B)

Wherever you go, whatever you do (A)
I will be right here waiting for you (A)
Whatever it takes (B)
Or how my heart breaks (B)

AAAB

La même rime le ¾ du temps et un changement à la dernière phrase!  Comme dans « Fix You » de Coldplay et « Can’s Stop The Feeling » de Justin Timberlake.  Quand je vous dis que j’étais d’actualité!

When you try your best but you don't succeed (A)
When you get what you want but not what you need (A)
When you feel so tired but you can't sleep (A)
Stuck in reverse (B)

And under the lights when everything goes (A)
Nowhere to hide when I'm getting you close (A)
When we move, well, you already know (A)
So just imagine, just imagine, just imagine (B)
AABC

Une rime sur les 2 premières phrases et ensuite, une différente pour les prochaines!  Donc, 3 rimes au total!  Comme dans « Uptown Funk » de Mark Ronson et « This Girl » de Cookin’ on 3 Burners.

His presents don't really come for free (A)
Your paycheck don't mean that much to me (A)
Just take my hand and hold me tight (B)
You'll never buy my love (C)

Funk This hit, that ice cold (A)
Michelle Pfeiffer, that white gold (A)
This one for them hood girls (B)
Them good girls straight masterpieces (C)

La présence du titre dans le refrain

Vous avez vos paroles?  Fantastique!  Deux ou trois couplets avec un pont et un refrain?  Excellent!  Un titre?  

Le titre d’une chanson reste une partie primordiale!  Il peut y avoir 2 buts :

  • Résumer l’idée de votre chanson
  • Être vague et vouloir donner l’envie à votre audience d’en savoir plus

Or, 90% des musiques populaires actuelles contiennent un refrain qui comporte le titre de la chanson

Quand je vous disais que le refrain présentait l’idée principale de votre composition, ce n’était pas pour rire!

Pour écrire votre refrain, vous devez donc faire place à votre titre de chanson!  Ça se passe dans le processus de l’écriture.  

Comme pour la composition des paroles de couplet/refrain/pont, je vous présente des exemples de chanson qui placent la présence du titre dans le refrain!

TTTT

Le titre est toujours présent dans tous les vers. Exemples? « Gangnam Style » de Psy et « Happy! » de Pharell Williams!

Oppa Gangnam Style (T)

Gangnam Style (T)

Op, op, op, op,

Oppa Gangnam Style (T)

Gangnam Style (T)

(Because I'm happy) (T)
Clap along if you feel like a room without a roof
(Because I'm happy) (T)
Clap along if you feel like happiness is the truth
(Because I'm happy) (T)
Clap along if you know what happiness is to you
(Because I'm happy) (T)
Clap along if you feel like that's what you wanna do
-T-T

Le titre est présent dans le 2e et 4e vers du refrain.  Mes exemples sont « Time after time » de Cyndi Lauper et « One More Night » de Marron 5.

If you're lost you can look and you will find me
Time after time (T)
If you fall I will catch you, I will be waiting
Time after time (T)

So I cross my heart and I hope to die
That I'll only stay with you one more night (T)
And I know I said it a million times
But I'll only stay with you one more night (T)

T--T

Le titre se trouve dans le ver au début et celui à la fin du refrain.  « Stay with me » de Sam Smith et « Only girl in the world » de Rihanna le représentent bien.

Oh, won't you stay with me? (T)
'Cause you're all I need
This ain't love it's clear to see
But darling, stay with me (T)

Like I'm the only girl in the world (T)
Like I'm the only one that you'll ever love
Like I'm the only one who knows your heart
Only girl in the world (T)

---T

Le titre est là à un seul moment, soit à la fin du refrain.  Comme dans « Born This Way » de Lady Gaga et « Call Me Maybe » de Carly Rae Jepsen.

Don't hide yourself in regret
Just love yourself and you're set
I'm on the right track, baby
I was born this way (T)

Hey I just met you
And this is crazy
But here's my number
So call me maybe (T)
T---

À l’inverse du précèdent! Le titre au début, mais c’est tout. Parfait exemple avec « Firework » de Katy Perry et « Hello » d’Adele!

'Cause baby you're a firework (T)
Come and show 'em what you're worth
Make 'em go "oh, oh, oh!"
As you shoot across the sky-y-y

Hello from the other side (T)
I must have called a thousand times
To tell you I'm sorry for everything that I've done
But when I call you never seem to be home

T-T-

Comme au début de cette partie, le titre est là un ver sur deux. Dans ce cas-là, c’est au 1er et 3e.  Quelles chansons j’ai pris?  « Genie in the Bottle » de Christina Aguilera et « Hangover » de Taio Cruz.

I’m a genie in a bottle baby (T)
Gotta rub me the right way honey
I'm a genie in a bottle baby (T)
Come come, come on and let me out

I got a hangover, whoa! (T)
I've been drinking too much for sure
I got a hangover, whoa! (T)

I got an empty cup pour me some more


Conclusion du guide

Voilà!  C'est la fin du guide ultime de la composition musicale.  J'espère qu'il vous a plu.  

J'ai couvert énormément de sujets relatifs à l'écriture d'une chanson dans le but de vous offrir le plus d'informations pour votre prochain morceau.

Maintenant, vous êtes mieux outillé pour écrire la chanson que tout le monde va se rappeller!

Si vous avz aimé ce guide et/ou si vous connaissez quelqu'un qui aurait besoin d'aide avec ses chansons, partagez-le sur les médias sociaux ci-dessous.

Aussi, tout ce que vous avez lu se trouve dans Comment ComposerSimplement une chanson.  Vous pouvez recevoir grauitement le livre en format PDF afin de l'avoir sous la main sans avoir à toujours être sur Internet.

Ayez-le dès aujourd'hui!

Si vous avez des suggestions, commentaires ou opinions, ous pouvez le faire plus bas.

Bonne écriture de chanson.

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