5 astuces pour rendre les pistes MIDI plus réels - Composer Simplement

5 astuces pour rendre les pistes MIDI plus réels

La musique devient de plus en plus facile à composer. En fait, je parle plutôt de l’accès à n’importe quel instrument pour n’importe quel style. Après tout, n’avez-vous jamais rêvé d’avoir des instruments d’orchestre sans avoir à aller enregistrer un orchestre? Oui, les séquenceurs fournissent ces instruments à l’aide d’échantillons et vous pouvez jouer avec des notes MIDI.

C’est pratique d’avoir des instruments virtuels car vous pouvez vraiment exploser votre créativité. Mais il faut être prudent avec les instruments MIDI parce que mal utilisés, le son peut sonner trop virtuel et irréel. Un truc à éviter quand vous voulez créer des chansons de qualité. Et ça risque d’être nul à écouter!

Avec les bonnes techniques, vous pouvez rendre vos pistes MIDI tellement réelles que votre audience n’y entendra que du feu. À la fin de cet article, vous allez améliorer grandement le son de vos instruments virtuels.

Astuce 1 : Miser sur la vélocité

Pour faire une définition simplifiée, la vélocité se trouve à être la force d’attaque d’un instrument. Pour citer quelques exemples :

  • Les baguettes sur une caisse claire
  • La pédale pour un kick
  • Les doigts sur une notes de piano
  • Le pic sur les cordes de guitare

En MIDI, la vélocité se trouve entre 0 et 128 et se rapporte souvent au volume. Plus vous êtes près du 0, moins la note sera audible. À l’inverse, plus vous êtes proche du 128, plus ça sonnera fort.

Mine de rien, quand vous jouez sur un instrument réel, vous allez jouer des notes plus fortes et d’autres moins fortes. Logique, non? C’est pareil pour des notes MIDI. La variation de vélocité entre les notes va accentuer le réalisme de l’instrument.

Ici, il y a 2 erreurs à éviter :

  • Écrire les notes MIDI une par une
  • Ne pas changer la vélocité des notes

Non seulement c’est épouvantablement long, mais ça va paraître dans le résultat final. Je vous donne 2 exemples.

Ici, j’ai entré les notes de piano une par une et j’ai laissé la vélocité exacte.

Maintenant, voici une piste de piano où j’ai enregistré le MIDI tout en jouant sur un clavier.

Beaucoup mieux, non? Donc, oui les variations de vélocité vont donner un son plus réel. Mon conseil serait de vous munir d’un clavier MIDI et de toujours enregistrer vos pistes en jouant. Ça va vous sauver du temps et ça va paraître que c’est jouer par une vraie personne.

Astuce 2 : Jouer avec l’articulation et l’enveloppe sonore

En composition et surtout si vous travaillez avec des synthétiseurs et des instruments virtuels, vous allez souvent entendre parler d’enveloppe sonore. Pour mieux vous situer, il s’agit de l’évolution d’un son dans le temps.

L’enveloppe est générée pour chaque note et la forme de l’enveloppe a un impact important sur l’instrument. L’enveloppe sonore contient 4 paramètres de base.

  • Attack : Durée maximale pour atteindre son volume le plus fort après le début de la note (ex. : toucher sur une note de piano)
  • Decay : Durée nécessaire pour redescendre au sustain
  • Sustain : Durée que la note va durer et garder un niveau stable
  • Release : Durrée que la note passera de son niveau stable jusqu’à retourner à zéro

Je sais que ces termes peuvent avoir l’air mélageants, mais ils ne sont pas si pires!

Par exemple : Les instruments percussifs ont une attaque très rapide et leur sustain et release peuvent varier (une cymbale va sonner plus longtemps qu’une caisse claire). Ou encore, un pad a une attaque et une relâche très lente.

Néanmoins, l’enveloppe sonore peut rajouter beaucoup plus de réalisme à un instrument MIDI. Disons que vous avez des cordes et vous augmentez l’attaque et la relâche pour les faire durer plus longtemps. Vous vous rapprochez d’un orchestre qui joue lentement pour aller place à une ambiance plus sereine voire triste comme dans les trames sonore de film.

Parallèlement à l’enveloppe sonore, certains instruments virtuels de qualité peuvent offrir des sons d’articulation propres à l’instrument en question. Par exemple, les guitares d’Ample Sound ont des sons de strumming, fortement des cordes et de slides, toutes des techniques typiques des guitaristes. Certes, ça peut demander plus de travail, mais ça va donner l’impression qu’un vrai guitariste joue.

https://www.amplesound.net/en/index.asp

Astuce 3 : Être légèrement off-tempo

En tant qu’être humain, c’est normal de faire des erreurs, même en musique. Plus communément, on dit rushing (être avant le tempo) ou dragging (être après le tempo). Mais parfois, ce léger décalage est presque imperceptible.

Si vous enregistrez vos pistes MIDI, vous allez remarquer des notes qui ne sont pas toujours sur les temps comme ça.

Et vous savez quoi? C’est normal et correct comme ça! Combiné à la vélocité, la présence de rushing et dragging vont augmenter l’impression que c’est jouer par une vraie personne.

Toutefois, si à l’oreille, vos notes MIDI sonnent vraiment trop décalées, vous pouvez utiliser la quantification. C’est une fonction des DAWs qui permet de replacer une note MIDI le plus près possible d’un temps. Ça ressemble à ça.

Évidemment, vous pouvez contrôler la quantité de quantize appliquée pour éviter que ça sonne trop mécanique. Une fonction très utile quand on travaille avec du MIDI.

Astuce 4 : Respecter la portée de l’instrument

Prenez quelques secondes pour regarder l’image ci-dessous.

Source : https://www.reddit.com/r/coolguides/comments/ackdf5/this_chart_of_note_ranges_by_instrument/

Comme vous voyez, les instruments ont tous une portée de notes différentes. Mine de rien, quand vous travaillez avec des instruments virtuels, ce sera important de respecter ce range pour garder une touche de réalisme. Exemple : Une guitare a le Mi2 comme note la plsu basse. Sinon vous allez en dessous de ça avec un plugin, ça va sonner vraiment bizarre et probablement un autre son qu’une guitare.

À moins que ce soit un choix artistique ou un son à échantilloner, respectez la portée. La bonne nouvelle est que la majorité des instru sont déjà programmés pour respecter les notes appropriées. C’est notamment le cas de Sonatina Orchestra que j’utilise beaucoup pour mes compos.

https://vstbuzz.com/freebies/sonatina-symphonic-orchestra

Astuce 5 : Utiliser le panning intelligemment

Rappel sur le panning. C’est quand vous placez les pistes à gauche et à droite pour utiliser l’image panoramique à votre avantage. Mine de rien, si vous laissez toutes vos pistes de DAW au centre, ça va donner terne et vous risque de perdre certains instruments parce qu’ils vont se marcher sur les pieds.

Le meilleur exemple que je peux vous donner est la batterie. Il y a plusieurs éléments enregistrés et mon truc serait de panner vos pistes comme si c’était une vraie batterie devant vous. Donc :

  • Kick au centre
  • Snare légèrement à gauche
  • Hi-hat à gauche
  • Toms disposés vers la droite
  • Overheads à gauche et à droite

Pour le reste, vous pouvez user de créativité. Je vais vous poster le lien vers mon article sur le panning juste ici.

Conclusion

Ce n’est pas parce que vous avez des instruments virtuels que ça doit sonner virtuel! Vous pouvez ajouter une touche de réalisme en variant la vélocité, optimisant l’eveloppe sonore, ajoutant des sons propres à l’instrument, en respectant la portée de l’instrument jouée et avant les plaçant dans votre session.

Globalement, is vous voulez vraiment ajouter du réalisme à vos psites MIDI, jouez directement sur votre contrôleur. Non seulement votre vélocité sera enregistrée, mais les petites imperfections le seront aussi. Et c’est la meilleure façon d’humaniser un instrument virtuel.

Qu’est-ce que vous avez pensé de ces astuces? Est-ce qu’elles vous ont aidé? Est-ce une découverte? En avez-vous d’autres à ajouter? Vous pouvez m’écrire le tout en commentaire.

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