Comment orchestrer une musique

Je vais me permettre de vous raconter une histoire : j'ai débuté à composer à la guitare à l'âge de 15 ans.  


J'ai joué de cette instrument pendant près de 10 ans, mais à la suite de mon parcours à Musitechnic, j'ai commencé à jouer du piano et notamment pour travailler avec un séquenceur.  


Parallèlement à ça, j'ai eu mon premier contrat d'écriture de trame sonore pour un jeu vidéo indépendant qui malheureusement n'a pas eu les effets escomptés.


Mais c'est cette expérience qui m'a donné la piqûre pour écriture de la musique Ambiente/Orchestrale comme je le fais encore depuis aujourd'hui!  

Alors, j'ai envie de répondre à une question assez demandée : comment fait-on pour orchestrer une musique?


Après des dizaines de tentatives et d'essais-erreurs avec ce style dont j'apprécie tant, je vous présente une méthode pour novice pour débuter en orchestration.  

À la fin de cet article, vous serez en mesure de vous lançer dans vos premières compositions orchestrales.

Que veux dire orchestration?

Quand on pense à de la musique orchestrale, on pense à de la musique de film et de télévision!  Et même de jeux vidéo.  Mais quand on parle de faire de l'orchestration, qu'est-ce que cela signifie?


Parce que dans le domaine de la production, j'ai souvent entendu une confusion entre faire de l'arrangement et faire de l'orchestration.


L'arrangement musical se rapport surtout à comment construire la chanson sous différents angles comme la structure, les contre-mélodies, l'ajout et le retrait de certains instruments et effets et les variations pour garder l'intérêt.


L'orchestration se rapporte essentiellement aux instruments orchestraux et aussi comment l'intensité se construit et aussi comment le thème (mélodie) est interprété par différents instruments.  

Est-ce que c'est plus facile?  Pas nécessairement!


Une grosse erreur que j'ai fait en débutant en musique orchestrale a été d'ouvrir une seule piste de Strings Ensemble et de jouer comme un pianiste.  Oups!


La musique orchestrale n'est pas comme faire de la musique pop ou du beatmaking!  

Il y a plusieurs familles d'instruments à différents octaves et sans compter les techniques de jeu comme le sustain, le staccato, le pizzicato et autre!  

Au final, les orchestres peut contenir jusqu'à 80 musiciens!


Mais pas de panique!  Je ne vais pas vous demander de créer 80 pistes dans Cubase!  En fait mes compositions style Orchestral tournent autour de 30, parfois moins que ça!

Les familles d'instruments

Même si les gros orchestres contient des dizaines de musiciens, on peut compter 4 grandes familles d'instruments orchestraux : les cordes, les bois, les cuivres et les percussions.

Les cordes

Sans blague, je ne jure que par les cordes! Les violons sont un des instruments style corde les plus connus.  Ils jouent généralement de hautes notes et ajoutent un son riche.  

Vous pouvez avoir des premiers violons et aussi des seconds violons.  Ces derniers vont donner une contre-mélodie, l'ajout d'harmonie ou même les 2.


Ensuite, les altos (ou violas en anglais) vont quant à eux prendre la relève des seconds violons, mais avec une plus grande importance.  

C'est eux qui vont donner plus de motifs rythmiques et ajouter du poids avec des notes répétées.  Ils sont souvent sous-estimés par les novices en orchestration.


Après ça vient les violoncelles et les contrebasses.  Même si ça peut sembler évident, les 2 vient appuyer le côté ''basse'' qu'on peut retrouver dans un groupe rock.  

C'est eux qui donnent le gras et la chair pour la partie harmonique. 

Si vous possédez les 2, vous pouvez par exemple donner la ligne de basse aux contrebasses et des notes mélodiques aux violoncelles.

Les bois

Avec les cordes, les bois sont parmi ma 2e famille d'instruments orchestraux préférée.  Vous avez un son beaucoup plus riche et qui s'agençent super bien aux cordes avec une panoplie de couleurs.


En ordre du plus grave au plus aigu : les bassons, clarinets, les hautbois et les flûtes.  

Comme mentionné plus haut, les bois sonnent à merveille avec les cordes car elles viennent accentuer une couleur selon la tonalité de votre chanson.

Au niveau technique, les bois ont un bon soutien si vous jouez en légato.

Les cuivres

De règle générale, il faut être prudent avec les cuivres parce qu'ils ont énormément de puissance.  

Ils peuvent carrément enterrer un mix entier.  Vous n'avez qu'à écouter les compos d'Hans Zimmer pour constater comme les cuivres sont très forts!


Les tubas, trombones et trompettes ont sensiblement la même puissance et leur son devient de plus en plus brillant quand vous montez en octave.  

Ah et avant que j'oublie, les tubas sont les plus graves et les trompettes les plus aigus.  

Par contre. les cors français possèdent moins de force quand ils sont au maximum de leur vélocité.


Contrairement aux cordes, je ne recommande pas d'utiliser les cuivres avec de longues notes tout au long d'une chanson car leur puissance enterre tout justement.  

Mais vous pouvez les utiliser lors de votre construction en canon (build-up où vous atteignez le climax). Ou encore, des moments-clés de votre morceau.

Les percussions

Il existe 2 types de percussions : accordées et non-accordés (tuned and untuned).


Les percussions accordées sont des instruments comme le piano (oui, le piano est un instrument percussif), la harpe, le xylophone, le glockenspeil, le marimba et les timbales.


Les percussions non accordés sont toutes les autres percussions qui émettent un son sans nécessairement avoir une tonalité. 

C'est le cas, de la grosse caisse, la caisse claire, le triangle, les cymbales et les cloches.


Contrairement aux autres instruments, en orchestre, les percussions sont considérées comme le dernier assaisonnement. 

Donc, à utiliser à des moments-clés comme la montée en canon, mais aussi comme transition entre différentes parties.  Et leur utilisation est encore plus stratégique que les cuivres.

La performance humaine

Maintenant que vous connaissez les instruments orchestraux, peut-être avez-vous déjà commencé un premier jet dans votre DAW?  Si c'est le cas, je tiens à vous mettre une mise en garde.


Quand vous travaillez avec des instruments virtuels du genre orchestral, assurez-vous toujours de rester le plus près possible de la performance humaine.  

En tant que producteur, la dernière chose que vous voulez, c'est qu'on vous dise que vos pistes sonnent trop comme MIDI.


J'avais déjà donné des astuces pour rendre vos pistes MIDI plus réelles, mais je peux pousser ça un peu plus loin quand vient le temps de faire de l'orchestration.


Les joueurs de bois ont besoin de reprendre leur souffle et leur donner des notes soutenues pendant 8 mesures est insensé.  

Les joueurs de cordes sont capables de justement jouer de longues notes soutenues, mais leur faire jouer des notes en pizzicato à 160 bpm n'est pas logique.  


De plus, tant les cordes que les bois et les cuivres ont une portée de notes établies.  Si vous dépassez ce range, ça va sonner trop articifiel.  

La bonne nouvelle est que la majorité des instruments orchestraux virtuels sont déjà programmés en fonction des portées de notes.

Une économie de 10 ans

Après tant d'essaies-erreurs et après de nombreuses critiques sur les forums, je vais maintenant vous partager une astuce secrète qui va vous faire économiser des années de vie!


Quand vous voulez écrire une pièce orchestrale, écrivez d'abord un sketch au piano.


Bizarre, mais logique en même temps.  En musique classique, il est toujours préférable que la chanson au piano soit transposable en orchestre et vice-versa.  

C'est pareil avec de la musique orchestrale faite dans un DAW.

Voici un exemple de sketch au piano que j'ai fait.

Bien sûr, j'ai rejoué plusieurs fois dans le but d'ajouter divers éléments rhytmiques et plus d'harmonie.  Mon résultat final ressemble à ça.


Évidemment, comme je visais un style plus Epic, je n'ai pas mis de bois, mais peut-être que vous l'auriez fait.

4 éléments d'une orchestration réussie

À première vue, orchestrer un morceau peut avoir l'air très intimidant parce qu'on se dit que ça donne tellement épique et grandiose!  

Mais je vous rassure : orchestrer une musique n'est pas plus compliqué que d'écrire une chanson dans n'importe quel style.


On peut y compter 4 éléments parmi les fondations : la mélodie, l'harmonie, le rythme et la texture.  Et oui!  C'est pratiquement la même formule qu'une chanson Pop!


La mélodie, je n'ai pas besoin de m'étaler trop sur le sujet, mais le nerf de la guerre!  C'est ce dont le monde va se rappeller le plus!  

Votre thème va se répéter plusieurs fois au courant de votre orchestration et idéalement, la présence d'une contre-mélodie sera de mise.


Chaque mélodie contient une bonne harmonie.  Donnez à votre mélodie les bons accords et ces 2 éléments vont sortir davantage du lot.  J'ai déjà pas mal parler d'harmonisation aussi.


Poru la rythmique, on peut penser à des percussions.  Et bien oui, mais pas seulement.  En fait, il est possible d'ajouter des motifs rythmiques avec d'autres instruments.  

Comme par exemple, des altos qui jouent en staccato un rythme qui accentue la tension de votre morceau.  En orchestration, ça peut se faire de cette manière.


Pour la texture, c'est un peu spécial parce que c'est un élément qui est aussi considéré comme un assaisonnement final.  La manière d'en ajouter varie d'un producteur à l'autre. 

Certains vont mettre des éléments électroniques, d'autres des motifs de d'autres instruments, d'autres des percussions et j'en passe.  

C'est ce qui ajoute une couleur supplémentaire à la chanson et la rend encore plus unique.  

Dans certains cas, la contre-mélodie est aussi vue comme un élément de texture.

Conclusion

Oui, j'ai parlé de beaucoup de choses!  Mais je reviens au titre de l'article qui était de comment orchestrer une musique.  

Tout d'abord, vous voulez vous familiarisez avec les 4 familles d'instruments orchestraux et leurs rôles dans une musique.


Après, ma recommandation est de vous faire un sketch de piano et de bâtir de votre musique autour de ça. 

En prenant différents éléments de votre sketch, vous pouvez attribuer la mélodie aux violons qui seront jumelés des flûtes, les violoncelles seront l'harmonie, les altos jouereont une rhytmique et des cuivres peuvent être installés par la montée en canon.


Mon conseil si vous débutez en musique orchestrale, est de prendre le temps d'écouter des chansons et d'analyser quels instrumetns est mélodiques, qu'est-ce qui est rythmiques, comment la texture sort du lot et etc.  Je peux vous donner mon tableau d'analyse pour ça.


QU'avez-vous pensé de cet article?  Faites-vous déjà de l'orchestration?  Écrivez-moi tout ça en commentaire

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