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Mixer en toute simplicité : la balance de volume

Bien le bonjour!

 

Je suis Bruno du blog ComposerSimplement et je vous souhaite la bienvenue!

 

Cette semaine, je poursuis avec ma série de vidéos sur le mixage en toute simplicité.  Et je parle de la balance de volume.  La semaine dernière, je vous ai montré comment organiser une session pour éviter de vous perdre.  On arrive dans la 2e étape qui est la balance de volume, une des étapes les plus importantes du mixage.  Parce que la balance de volume représente jusqu’à 90% du mix!  Vous aurez beau faire tous les EQ et la compression que vous voulez avec tous les effets, mais si vos pistes ne sont pas balancées, malheureusement, ça va paraître et le résultat ne sera pas le même

 

Donc, le 1er conseil que je vous donner est d’écouter votre chanson en boucle (3-4 fois) et noter les sons trop forts ou trop faibles.  Donc, “Afterglow”, je n’ai pas encore fait la balance de volume, mais je vais vous faire écouter un extrait!

 

Avant que je commence à enregistrer la vidéo, j’avais écouté quelque chose et noté quelques trucs.  En partant, ça distorsionne!  Vous voyez le carré rouge?  Ça l’a fait de la distorsion numérique (c’est vraiment dégueulasse!)!!  Le “peak” (moment le plus fort de la chanson) a atteint 4,4 dB au dessus de 0.  Donc, c’est vraiment beaucoup!  Quand vous avez un trucs du genre au départ,  baissez tous les faders pour avoir un peu de jeu!

 

Dans mes notes, la voix et les back vocals sont inaudibles comparé à tout l’instrumental, les percussions sont vraiment fortes et agressantes, pareil pour les drums, il y a un clap qui est trop faible, tous les SFX et le Reverse-Cymbal ont des passages qui sont trop forts.  Plus loin, il y a un digedidoo et  à son arrivée, il y a un équilibre avec la voix et je dois travailler là-dessus.  Et la structure de gain à diminuer, bien sûr!

 

Juste avant, je peux vous dire de toujours baisser les faders au lieu de les monter!  Ça va laisser de la place dans votre “headroom” (l’espace entre le 0 et le peak).  Donner 3 à 6 dB de Headroom.  Ce sera utile pour le mastering.  Si un son n’est pas assez fort, baissez le reste au lieu de monter le volume de la piste.  Un classique!

 

Si jamais vos oreilles deviennent fatiguées parce que ça fait plusieurs fois que vous écoutez la chanson, je vous invite à prendre une pause!  Vos oreilles ne sont pas infaillibles.  Si vous prenez quelques minutes, même une heure, ça va vous permettre d’être un peu plus objectif dans votre balance.

 

Donc, je vais claquer des doigts et ma balance va être faite!  Ça m’a pris 30 minutes à faire et j’ai fait une pause.  Mon plan de travail a été appliqué comme je l’ai fait.  Le peak est –4,8 dB.  Donc, c’est quand très bon pour le mastering!  Et la balance de volume reste extrêmement importante.  Même après l’EQ et la compression, cette étape va revenir.  À ne jamais nier!  Je peux vous faire écouter un extrait!

 

Je vais vous laisser là-dessus.  La semaine prochaine, je vais vous parler des EQ.  En attendant, vous pouvez télécharger gratuitement mon guide “Comment ComposerSimplement une chanson”.  Et vous pouvez écouter la première vidéo sur l’organisation d’une session.

 

C’était la vidéo “Mixer en tout simplicité : la balance de volume”.  Je suis Bruno du blog ComposerSimplement et je vous dis portez-vous bien!

La gamme pentatonique

Composer avec une gamme pentatonique.  Pourquoi pas?  Il existe différents gammes et techniques afin de composer votre musique (gamme majeure, mineure, renversements d’accords, accords à 4 notes, marche harmonique, etc.).  Mais la gamme pentatonique a une prédilection auprès des musiciens, plus précisément pour les guitaristes.  Mais voyons c’est quoi avant tout!

 

Penta veut dire “5” en grec!

grec pentatonique

 

Pentatonique vient du grec.  Penta veut dire “cinq” alors que tonique correspond à “note”.  Une gamme à 5 notes au lieu de 7?  Oui, oui!  C’est possible!  On coupe quoi?  Je vais vous montrer.  Comme pour les gammes “de base”, il y a une pentatonique majeure et une autre mineure.

 

Pentatonique majeure

Prenons d’abord une gamme de Fa Majeur (Je vais faire changement de Do!).  Les notes sont les suivantes :

Fa-Sol-La-Sib-Do-Ré-Mi-Fa

La structure d’une pentatonique majeure est la suivante : 1 ton – 1 ton – 1,5 ton – 1 ton – 1,5 ton.  Voici les nouvelles notes :

Fa-Sol-La-Do-Ré-Fa

Et voilà!  Fa majeur pentatonique!  Pour vous donner un truc, la quarte et la septième sont absentes dans une pentatonique majeure.  Donc, si vous travaillez dans une autre tonalité, appliquez ce principe!

Fa-Sol-La-Sib-Do-Ré-Mi-Fa

Pentatonique mineure

Cette fois, prenons La mineur.  Vous la connaissez, pas vrai?

La-Si-Do-Ré-Mi-Fa-Sol-La

La structure sera : 1,5 ton – 1 ton – 1 ton – 1,5 ton – 1 ton.  Ainsi, le résultat sera le suivant :

La-Do-Ré-Mi-Sol-La

Qui sont les absents cette fois-ci?  La seconde et sixte!

La-Si-Do-Ré-Mi-Fa-Sol-La

Quelles utilités à une pentatonique?

C’est bien beau tout ça, mais c’est quoi l’utilité de ce genre de gamme?  Et bien, en partant, elles sont utiles pour créer des hooks car comme les notes sont plus nombreuses, la répétition est favorable.  Mais ça ne s’arrête pas là!

  • S’adapte à n’importe quel style de musique car peu de contrainte
  • Facile à jouer et à mémoriser
  • Peut être jouer sur des accords pour faire sortir des sonorités
  • Créer peu de tension vu sa simplicité
  • Excellente pour les parties mélodiques et les solos

Conclusion

Parmi tant d’autres technique, la gamme pentatonique a sa popularité auprès des guitaristes, mais également pour les compositeurs en général.  Si vous aimez improviser, vous serez agréablement surpris ave cette gamme!  Et vous?  Utilisez-vous la pentatonique?  Écrivez-moi vos commentaires et ça va me faire plaisir de vous lire! Sourire

Critique : “Voler comme un artiste” (Steal Like An Artist”)

Il y a quelques mois, lors de la promotion d’un de mes articles, j’ai reçu un courriel d’une réponse disant : Tu dois sûrement avoir lu “Steal Like An Artist’’!

Piquant de curiosité, je suis allé voir sur Amazon ce que c’était.  Un livre d’environ 150 pages avec une écriture bien étrange!  Récemment, je l’ai acheté et j’ai décidé de le lire!  Voici ma critique!

 

 

Biographie de l’auteur

Austin Kleon est le best-seller du New York Times de 3 livres illustrés : Steal Like An Artist, Newspaper Blackout etow Your Work!  Son travail a été traduit dans plus de 20 langues et l’a amené à de nombreux plateaux télévisés.  Cité comme “brillant”, The Atlantic le nomme comme “véritablement une des personnes les plus intéressantes de l’Internet” alors que The New Yorker dit que ses poèmes “ressucite les journaux quand tout le monde a déclaré ça mort”.  Il parle de la créativité de l’ère numérique des organisations tels que Pixar, Google et autres.

source : http://austinkleon.com/about/#bio

Les 10 choses non-dites

“Voler comme un artiste : 10 secrets bien gardés sur la créativité” a été, à prime abord, un titre plutôt choquant.  En effet, le principe de voler peut fait référence au plagiat!  Toutefois, tout s’est clarifié quand j’ai commencé à lire.

La structure plutôt étrange du livre contient 10 grandes idées dont je vais vous résumer sans toutefois vendre le punch!

  1. Voler comme un artiste : Ça commence fort!  L’idée de vol n’est guère attrayante!  Mais l’auteur soutient, avec des images bizarres et des citations de célébrités, que rien n’est original!  Chaque idée que l’on a pour créer quelque chose provient d’une autre idée.  Alors, c’est considéré comme une sorte de vol!  Je suis vraiment bouche bée car il est vrai de mon côté que pour créer des choses, je me suis inspiré de d’autres (ex. : Des blogs pour écrire mes articles, d’autres chansons pour composer les mêmes, des images sur Google pour mes cosplays, etc.).  Sur le coup, je me sens mal de faire ça, mais avec le recul, le contenu du livre me rassure comme quoi on s’inspire tous les uns les autres.  Plus loin, il encourage les lecteurs à lire et à s’éduquer afin de créer davantage et d’avoir sa propre couleur.
  2. N’attendez pas de savoir qui vous êtes pour démarrer : C’est un passage que j’ai dû relire plusieurs fois car je ne comprenais rien (et non pas parce que j’ai lu le livre en anglais!).  Mais c’est un appel à l’action ; de commencer à créer quelque chose tout de suite même si on a peur car la peur est tout à fait normale.  Plus loin, Kleon raconte d’agir et de se considérer comme un artiste si on veut en être un.  Selon moi, c’est une attitude gagnante!  Encore là, l’idée de copier revient…  Mais il dit que “la main humaine est incapable de faire une copie parfaite”.  Le meilleur exemple a été les groupe de musique qui font des hommages et des reprises!  Sans compter la différence entre du “bon vol et du mauvais vol”.
  3. Écrivez le livre que vous voulez lire : Écrire ce que l’on aime, ça pourrait être aussi le titre de l’idée!  Démarrer l’entreprise que vous voulez diriger, jouer la musique que vous voulez entendre, bâtissez les produits que vous voulez utiliser.  Vous voyez le genre?
  4. Utiliser vos mains : Voilà un des passages qui m’a choqué le plus!!  L’auteur parle de la sur utilisation des ordinateurs, comme quoi on s’en sert maintenant pour écrire, dessiner et jouer de la musique.  Rien ne vient plus de nos mains!!  Travailler à un ordinateur, c’est être immobile pour ne pas dire inactif!  L’équilibre entre l’analogue et le numérique vont de pair quand on veut créer.  Car si je peux donner mon avis là-dessus, les mains sont le chemin qui mène directement au cœur.  Et l’art est une affaire de cœur!  Ça m’a fait réaliser comment je trouvais important d’écrire avec mes mains, d’enregistrer mes pistes en directement au lieu de les faire à la souris car j’enregistre mes imperfections et mon attaque sur les touches de piano!
  5. Les projets d’à-côté et les passes-temps sont importants : La procrastination productive, vous connaissez?  Malgré que c’est contradictoire, l’importance d’avoir plusieurs projets d’à-côté et des hobbies permet de passer à autre chose quand on a pas la motivation et/ou l’inspiration pour en terminer un.  Bien sûr, on revient sur celui-ci plus tard!  Moi, j’ai une liste de choses à faire de projets.  Donc, c’est un peu la même chose!
  6. Le secret : Faites du bon travail et partagez-le avec les autres : Pour décortiquer ici, le travail se fait en 2 étapes : En premier lieu, faites du bon travail.  Donc, créer à tous les jours idéalement, mais rester conscient que ce sera pas top au début!  Mais les erreurs/échecs vont vous aider à vous améliorer.  En seconde étape, partagez-le avec les autres.  Aujourd’hui, Internet fait des miracles!  Pourquoi pensez-vous que ma musique est sur Soundcloud et que j’ai aussi un blog?
  7. La géographie n’est plus maître : Pour faire suite à l’idée précédente, Internet permet à présent de se construire un véritable réseau!  Vous pouvez construire votre propre monde avec votre blog, les médias sociaux, les forums et plus encore!  Mais n’oubliez pas de sortir de la maison aussi!  Les vrais contacts restent toujours bons!
  8. Soyez gentil (Le monde est petit) : Faites-vous des amis et ignorez les ennemis!  C’est l’idée principale!  Sur Internet, la meilleure façon de se faire des amis est de dire du bon à leur sujet.  Si certains vous dénigrent, ignorez-les.  Il faut faire preuve également (autant sur Internet qu’en vrai) de bonté et de curiosité envers les autres car vous pouvez vraiment bâtir un réseau de cette façon.
  9. Soyez ennuyeux (C’est la seule façon de finir le travail) : Un point qui porte réellement à confusion car l’auteur parle de prendre soin de soi afin de vivre le plus longtemps.  Il veut casser l’image de l’artiste qui tombe dans la drogue pour s’inspirer!  Aussi, d’éviter l’endettement, garder son travail pour payer les comptes et aussi se marier avec la bonne personne!
  10. La créativité est soustractif : Heum… Quoi?  Idée floue, mais en gros, nous vivons dans une époque de sur-information et d’abondance dont vous pouvons puiser notre créativité.  Et tout ça, c’est sans limites!  Vous pouvez tourner une vidéo à partir d’un iPhone, peindre avec une seule couleur, construire des choses avec des outils limités et bien d’autres!

Mon avis

Étant sceptique avec la première idée, ça ne s’est pas poursuivi!  J’ai vraiment adoré “Steal Like an Artist”.  Il y avait des concepts dont j’avais déjà connaissances comme s’inspirer les uns des autres, l’importance de l’Internet et prendre soin de soi!  J’ai appris notamment la procrastination productive que j’applique de façon indirecte!  Sans parler de l’importance de créer avec ses mains et non pas un ordinateur!

Toutefois, la structure du livre est vraiment bizarre et les images sont simplistes pour ne pas dire fade.  C’est limite des graffitis!  De plus, c’est un livre qui choque!  Une vraie polémie!  Il y a des idées à prendre et à laisser.  Mais il faut lire plusieurs fois pour être sûr de ne pas se faire porter à confusion.  Juste le titre est cru!  De plus, je pense que ce livre ressemble plus à un gros article de blog.  En synthétisant, vous pouvez publier ce contenu sur Internet!

Néanmoins, je le recommande à tous ceux qui souhaite changer leur point de vue sur le quotidien d’un artiste et aussi se faire répondre à leurs questions sur l’inspiration et la créativité!

Points forts 

  • Court à lire
  • Très formateur.  On apprend beaucoup!
  • Rappelle des bases importantes (travailler avec ses mains)
  • Casse les mythes sur la créativité

Points faibles

  • Structure peu commune (ressemble davantage à un gros article)
  • Images et couleurs fades
  • Livre polémique.  Choque beaucoup!
  • Risque d’interprétation.  Demande une relecture.

Comment structurer une chanson

La musique est principalement une affaire d’instinct et d’émotions, mais pour écouter une chanson de manière adéquate, il est important que celle-ci soit logique et structurée.

 

C’est pourquoi je vous présente les grandes parties d’une chanson et quelques modèles de base!

 

Les parties d’une chanson

Vous avez tous déjà entendu Intro, refrain et couplet, n’est-ce  pas?  Mais connaissez-vous vraiment leur définition?  Regardons ça de plus près.

Intro : Abréviation pour “Introduction”, c’est là où la chanson commence (bien sûr!).  Globalement, c’est une partie sans paroles, seulement l’instrumental.  C’est à ce moment que les accords principaux sont présentés, qui sont généralement les mêmes que dans le couple et/ou le refrain.  La présence des instruments peut varier d’un à plusieurs.  C’est vraiment une question de goût, de style et de qu’est-ce que le compositeur veut insérer comme suspense avant le couplet.

Couplet : Voilà là où l’histoire commence!  Quand je parle d’histoire, je parle des paroles que vous avez écrite!  Communément écrit sur 8 mesures, les instruments sont tous présents, mais la lumière sera mise sur les paroles.  Au niveau des rimes, c’est varié, mais AABB et ABAB sont des schémas de base.  Dans une chanson, il y a un minimum de 2 couplets.  La structure des couplets reste la même, mais bien sûr on change les paroles pour “avancer dans l’histoire”.

Pré-refrain : Ici, c’est une partie optionnelle.  Mais il commence à y avoir un changement au niveau des accords, une nouvelle progression sera installée, quasi-similaire ou même similaire au refrain.  Encore, là il y a des paroles qui progressent vers le refrain.

Refrain : Voilà le plus gros, le nerf de la guerre de votre chanson!  L’idée principale de la composition s’y trouve, cette idée doit rester dans l’esprit de l’auditeur.  Ce sera votre vers d’oreille ou “hook” pour les anglophones!  Au minimum, le refrain est répété 2 fois, même 3 fois s’il le faut. Vous voulez des exemples de refrains qui restent dans la tête?  Je vais vous dire des titres et je suis sûr que ça vous viendra!

Evanescence – Bring Me to Life

Aerosmith – I Don’t Wanna Miss a Thing

Bon Jovi – Livin’ on a Prayer

Ozone – Dragostea D in Tei (MAYAHIII))

Bon, désolé, mais je trouve toujours ça drôle de faire jouer ça!

Pont : On fait le pont vers autre chose!!  Bon, maintenant que j’ai fini les jeux de mots, le pont est musicalement à part des autres parties.  En effet, les accords changent encore, mais une progression qui n’a que peu ou même pas de lien avec les parties entendues précédemment.  Il sert à briser la répétition qui sonne depuis le début et de rattraper l’attention de l’auditeur.  Aussi, le pont peut être une montée en intensité qui conduit vers une partie instrumentale appelée “Solo”!

SOLO!!!!

solo guitare

photo par : stavos

Outro : Votre chanson est terminée!  Pour cette partie, c’est un choix artistique.  Donc, plusieurs options s’offrent à vous : un “fade-out”, un court instrumental, une répétition de intro (tel quelle ou légèrement modifiée) ou finir avec le refrain.  À vous de voir!

La structure habituelle

Maintenant que vous connaissez les parties d’une chanson, voici la plus commune de tous en musique populaire :

Intro-Couplet 1-Refrain-Couplet 2-Refrain-Pont-Refrain-Outro

Ça, c’est le plus simple qui existe!  Mais sentez-vous libre d’essayer et d’explorer.  Vous pouvez, par exemple, rajouter un pré-refrain, mettre un solo après le pont, finir votre chanson avec le 3e refrain, jouer un 3e couplet après le pont ou le solo et ainsi de suite!

Si jamais vous voulez vous pratiquer dans votre écoute et dans votre côté analytique, je vous invite à analyser la structure des chansons que vous aimez!  Ça vous donnera une meilleure idée!  Et bien sûr, faire le même exercice dans le style que vous voulez composer!  Rire

http://www.how-to-write-music.com/songstructure.htm

https://en.wikipedia.org/wiki/Song_structure

Vidéo : Un riff de batterie simple

 

Bien le bonjour!

 

Je suis Bruno du blog ComposerSimplement et je vous souhaite la bienvenue dans cette nouvelle vidéo!

 

Cette semaine, j’ai décidé de vous montrer un riff de batterie vraiment basique.  J’ai appris ce riff-là via d’autres méthodes et expériences.  J’ai remarqué que c’était le même pattern de batterie qui revenait très souvent.

 

LE pattern de batterie répété si souvent

C’est vraiment de base.  Je vais le décortiquer :

 

En premier le kick.  Il est joué sur tous les temps.

-Ensuite, le snare.  Il est sur les temps pairs (2e temps et 4e temps)

-Ensuite, le Hi-Hat est joué sur les temps et contre-temps.  Si je peux vous parler en notes, il est joué en croche.  (voir l’article sur le rythme)

 

Tout ça combiné ensemble donne un riff de batterie de base!  Vous pouvez changer le tempo ou encore la batterie dans son ensemble.

 

Si dans votre composition, vous ne savez vraiment pas quoi faire avec la batterie, partez de ça!  Ajoutez-y des variantes en écoutant d’autres musiques.

 

***Sinon, il y a mon collègue Julien de Apprendre-le-home-studio.fr qui a publié un article sur plusieurs patterns de drums qui existe dans la musique.  Je vous invite à aller voir!***

***Aussi, j’ai mon ami Dario de Créer-sa-propre-musique.com qui donne beaucoup de conseils par rapport au beatmaking et à la composition musicale!***

 

Donc, j’espère que vous avez aimé cette vidéo-là.  Je vous invite à écrire vos commentaires ci-dessous et ça va me faire plaisir d’y répondre.  Mais en attendant, je suis Bruno du blog ComposerSimplement et je vous dis portez-vous bien!

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