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La gamme pentatonique

Composer avec une gamme pentatonique.  Pourquoi pas?  Il existe différents gammes et techniques afin de composer votre musique (gamme majeure, mineure, renversements d’accords, accords à 4 notes, marche harmonique, etc.).  Mais la gamme pentatonique a une prédilection auprès des musiciens, plus précisément pour les guitaristes.  Mais voyons c’est quoi avant tout!

 

Penta veut dire “5” en grec!

grec pentatonique

 

Pentatonique vient du grec.  Penta veut dire “cinq” alors que tonique correspond à “note”.  Une gamme à 5 notes au lieu de 7?  Oui, oui!  C’est possible!  On coupe quoi?  Je vais vous montrer.  Comme pour les gammes “de base”, il y a une pentatonique majeure et une autre mineure.

 

Pentatonique majeure

Prenons d’abord une gamme de Fa Majeur (Je vais faire changement de Do!).  Les notes sont les suivantes :

Fa-Sol-La-Sib-Do-Ré-Mi-Fa

La structure d’une pentatonique majeure est la suivante : 1 ton – 1 ton – 1,5 ton – 1 ton – 1,5 ton.  Voici les nouvelles notes :

Fa-Sol-La-Do-Ré-Fa

Et voilà!  Fa majeur pentatonique!  Pour vous donner un truc, la quarte et la septième sont absentes dans une pentatonique majeure.  Donc, si vous travaillez dans une autre tonalité, appliquez ce principe!

Fa-Sol-La-Sib-Do-Ré-Mi-Fa

Pentatonique mineure

Cette fois, prenons La mineur.  Vous la connaissez, pas vrai?

La-Si-Do-Ré-Mi-Fa-Sol-La

La structure sera : 1,5 ton – 1 ton – 1 ton – 1,5 ton – 1 ton.  Ainsi, le résultat sera le suivant :

La-Do-Ré-Mi-Sol-La

Qui sont les absents cette fois-ci?  La seconde et sixte!

La-Si-Do-Ré-Mi-Fa-Sol-La

Quelles utilités à une pentatonique?

C’est bien beau tout ça, mais c’est quoi l’utilité de ce genre de gamme?  Et bien, en partant, elles sont utiles pour créer des hooks car comme les notes sont plus nombreuses, la répétition est favorable.  Mais ça ne s’arrête pas là!

  • S’adapte à n’importe quel style de musique car peu de contrainte
  • Facile à jouer et à mémoriser
  • Peut être jouer sur des accords pour faire sortir des sonorités
  • Créer peu de tension vu sa simplicité
  • Excellente pour les parties mélodiques et les solos

Conclusion

Parmi tant d’autres technique, la gamme pentatonique a sa popularité auprès des guitaristes, mais également pour les compositeurs en général.  Si vous aimez improviser, vous serez agréablement surpris ave cette gamme!  Et vous?  Utilisez-vous la pentatonique?  Écrivez-moi vos commentaires et ça va me faire plaisir de vous lire! Sourire

Comment écrire un hook

Si vous avez déjà écrit une chanson, vous avez probablement entendu parler du hook.  Mais quand est-il?

Définition et exemple

 

Hook signifie crochet en anglais.  Donc, quand on parle du hook d’une chanson, on parle de la partie ou d’un court passage qui accroche et ce à quoi tout le monde associe la chanson.

 

Dans la très grande majorité des chansons populaires, le hook est associé au refrain.  Si vous avez suivi l’année 2012, vous vous souvenez du Coréen qui passait sans arrêt sur Youtube et à la radio?

 

Avouez!  Vous n’avez même pas visionné la vidéo et déjà, vous chantiez le refrain dans votre tête (et peut-être que vous dansiez)!!  Voilà un parfait exemple d’un hook.  Dans le cas de Gangnam Style, il s’agit d’une petite phrase facile à mémoriser et qui se répète!  Résultat : Plus de 2 milliards de visionnements sur Youtube!

make it rain

Même si une petite phrase peut être un hook, il ne s’en limite pas juste à ça.  À vrai dire, n’importe quelle chanson entendue par une audience peut être considérée comme hooky si elle est structurée correctement.

 

Les 3 grands types de hook

  • Rythmique : Écoutez ce qui suit.

Souvenir pour certains?  Possible!  Oui, Stevie Wonder était, à cette époque, réputé pour ces chansons très rythmiques.  Il y a plusieurs éléments d’un hook.  Entre autres, la rythmique est établie dès le début de la chanson et se poursuit jusqu’à la fin.  Pour faire un hook rythmique, il sera important :

  1. Trouver son rythme en tapant du pied.
  2. Se trouver une progression de 2 accords idéalement (ce sera plus facile pour le départ).
  3. Se limiter à 4 mesures au plan du rythme.
  4. Improviser avec un instrument soit percussif (batterie, tambourine, etc.) ou autre (piano, guitare, basse, etc.).  Dépendant de votre niveau, ajoutez une attaque particulière, plus groovy (ex. : strumming pour la guitare, slap pour la basse ou simplement vous laisser aller à la batterie)!
  • Intro : un hook d’introduction.  Bien sûr que ça se peut et c’est commun!  Voyons l’exemple :

Bon ok, je sais qu’il y a plusieurs hooks dans cette chanson, mais je voulais surtout l’accent sur le sifflement du début.  Première chose dont on se rappelle!  Mais toute la viande autour est important aussi!  Comme la guitare dans cet exemple.  Pour faire un hook d’introduction, retenez-ceci :

  1. Combiner 1 ou plusieurs instruments .
  2. Prendre un élément de l’intro qui peut se répéter.
  3. Une fois votre rythmique en place, improviser quelque chose de mélodique.
  4. Prioriser les gammes pentatoniques.  Elles sont plus simples d’utilisation et facile à retenir.
  • Instrumental en arrière-plan : En voilà un particulier.  Comme je suis Québécois, je peux me permettre de vous faire écouter de la musique de chez nous!

Dans le refrain, l’instrument en arrière-plan qui est hooky est le saxophone!  Pour moi, c’est un élément marquant de la chanson (en plus des paroles)!  Subtil, mais ce type de hook est très efficace.  Pour le faire :

  1. L’instrument en arrière-plan doit se faire sur 2 à 4 temps.  Il doit rester audible, mais sans trop prendre de place dans la mélodie principale.
  2. Prioriser sa place dans le refrain.
  3. Le mélanger à d’autre hooks.  Dans mon exemple, c’était les paroles et “FRAPPE! Dedans la vie!”

 

Divers conseils pour écrire des hooks

 

Maintenant que vous connaissez les 3 grands types de hook, il est toujours bon de savoir comment les écrire.

 

  • Jouez un combo d’instruments et de paroles : Pour les paroles, c’est préférable d’y aller pour une phrase simple et courte facile à se rappeler.  Quant à la musique, le principe de répétition s’applique.  Vous pouvez placer votre hook instrumental autant dans l’intro que le refrain.  Le choix est autant sur le plan rythmique que mélodique.
  • Gardez vos hooks courts et répétitifs : C’est la meilleure façon de faire accrocher vos auditeurs!  Pour résumer, 2 à 4 mesures pour le rythmique, 2 à 4 temps pour la mélodique et faire répéter entre 2 et 4 fois durant la chanson.  À vous de jouer!
  • Analyser les chansons hooky et voyez pourquoi tout le monde se rappelle : Si vous me connaissez bien, vous savez que l’analyse des morceaux est une de mes parties préférées!  Donc, tant au niveau des accords, des instruments, de la structure de la chanson, voyez ce qui vous accroche.  Le but n’est pas de plagier, mais bien de s’inspirer!

 

Conclusion

Ça peut avoir l’air difficile de créer une chanson qui accroche.  Toutefois, il suffit d’y croire!  De plus, toute la musique que vous écoutez influencera directement ou indirectement votre jeu de musicien et aussi de compositeur.  Alors, comme je vous ai dis, analysez vos pièces les plus hooky et trouvez le fameux hook!  Parmi tous les conseils que je vous ai donné, mettez en application celui qui vous tente!  En vous laissant dans le vide, vous serez déjà plus avancé que 90% des autres!  Donc, écrivez-moi vos astuces pour faire des hooks!  Si jamais vous avez d’autres questions ou commentaires, ils sont toujours les bienvenus! Sourire

Les modes en musique

Bien le bonjour!

 

Je suis Bruno du blog ComposerSimplement et je vous souhaite la bienvenue ce nouveau podcast!

 

Cette semaine, j’ai décidé de parler des modes en musiques.  Qu’est-ce que c’est les modes?  Un mode est une échelle d’intervalles (un peu comme les gammes), mais la différence est que l’on change la tonique qui est la note de départ et on escale jusqu’à la prochaine tonique un octave plus haut. Je parle en chinois?  C’est possible!  Je vais tout éclaircir ça!

Souvent, les modes sont mélangés avec les gammes, mais la raison est que les modes sont construits à partir des gammes.  Chaque mode a sa couleur, sa sonorité, sa caractéristique qui lui est propre.  Pour faire une petite comparaison, imaginez que vous avec une laveuse chez vous. Pour laver votre linge, bien sûr!  Il y a plusieurs fonctions sur une laveuse, mais à la base, la machine fait une action principale : c’est de laver!  C’est un peu la même chose quand on parler des gammes et des modes.  Vous avez plusieurs modes, mais à la base, ça sert à une chose : à composer de la musique.

 

Je vais vous présenter les 7 modes et après, je vais tout décortiquer ça avec vous.  Donc, nous avons :

  1. Ionien
  2. Dorien
  3. Phrygien
  4. Lydien
  5. Mixolydien
  6. Éolien
  7. Locrien

Je sais que ce sont des noms compliqués, mais ils sont issus du grec.  Mais avec la pratique et l’habitude, vous les retenez plus facilement.

  • Le premier mode, Ionien que j’ai dit, il n’y a absolument rien de différent de la gamme majeur!  Ionien représente le 1er degré de la gamme et donc il n’y a aucun changement!  Mais regardons les intervalles.  C’est le plus important dans les modes.  1 ton – 1 ton – 1/2 ton – 1 ton – 1  ton – 1ton – 1/2 ton.  Ça sonne comment?  Comme ça!  Donc, Do Majeur en mode Ionien.  Pas vraiment de différence avec une gamme majeure normale, mais c’est le premier degré, c’est normal!  Au niveau de l’utilisation, c’est comme n’importe quelle gamme majeure, elle exprime la joie.  Comme je vous ai dit, la gamme majeure exprime la joie et la gamme mineure exprime la tristesse!

 

  • On passe au prochain, le mode Dorien.  Ce mode est basé sur la structure de Ré à Ré.  Donc, ça va donner Ré-Mi-Fa-Sol-La-Si-Do-Ré.  Toutefois, les intervalles vont ressembler à ceci : 1 ton – 1/2 ton – 1 ton – 1  ton – 1 ton – 1/2 ton – 1 ton.  C’est vraiment avec cette structure d’intervalles qu’on construit le mode Dorien.  Donc!  La structure qu’on vient de voir, appliquons-la pour jouer en Do Majeur.  Ça va donner Do-Ré-Mib-Fa-Sol-La-Sib-Do.  Pour sonner comme ça!  Comme c’est un mode mineur, c’est régulièrement utilisé dans les styles jouant avec l’improvisation et les émotions, comme le jazz et le blues!

 

  • Prochaine mode : Le mode Phrygien : Le mode basé sur Mi à Mi (Non je ne paie pas le voyage!).  Ici les intervalles vont être 1/2 ton – 1 ton – 1 ton – 1 ton – 1/2 ton – 1 ton – 1 ton.  Voici à quoi ça va donne en Do Majeur.  Ce mode-là a souvent le surnom de mode espagnole car il est souvent apparenté aux gammes espagnoles et a une forte connotation flamenco.   Donc, si vous cherchez à composer dans ce style, ça peut être un mode recommandé!

 

  • Ensuite, Lydien : Ce mode basé sur Fa.  Intervalles : 1 ton – 1 ton – 1 ton – 1/2 ton – 1 ton – 1 ton – 1/2 ton.  Résultat : C’est un mode majeur qui a tendance à ajouter de la profondeur et un certain mystère, quelque chose d’énigmatique.  Ça peut être un mode intéressant à explorer.   J’ai une préférence pour lui!

 

  • Le 5e mode est Mixolydien : Basé sur Sol, les intervalles sont : 1 ton – 1 ton – 1/2 ton- 1 ton – 1 ton – 1/2 ton – 1 ton.  Quel un exemple à donner?  Le thème de Star Trek est est basé sur le mode!

 

  • Éolien : Basé sur La, voilà un mode mineur très courant!  Il est vraiment idéal pour des mélodies douces et mielleuses !  Voici les intervalles!  1 ton – 1/2 ton – 1 ton – 1 ton – 1/2 ton- 1  ton – 1 ton.  J’ai un côté plus émotif en écoutant ça!

 

  • Le moins utilisé des 7, le mode Locrien : Basé sur Si à Si, disons que c’est le mode le moins utilisé vu qu’il a tendance à avoir beaucoup d’altérations (dièses et bémols), mais si vous voulez créer des morceaux avec de la tension et du stress, je vous recommande celle-là!  1/2 ton- 1  ton – 1 ton- 1/2 ton – 1 ton – 1  ton – 1 ton.

 

Donc, j’espère vous avoir appris quelque chose!  Je sais que c’était exigeant niveau théorie, mais n’hésite pas à revoir certains passages et à réécoutez tout ça!  Donc, Écrivez-moi vos commentaires et faites-moi savoir ce que vous pensez des modes et si vous en utilisez!  C’est quand même un bon atout quand on veut composer.

 

Donc, c’était les Modes en musique.  Je suis Bruno du blog ComposerSimplement et je vous dis portez-vous bien!

Vidéo : Un riff de batterie simple

 

Bien le bonjour!

 

Je suis Bruno du blog ComposerSimplement et je vous souhaite la bienvenue dans cette nouvelle vidéo!

 

Cette semaine, j’ai décidé de vous montrer un riff de batterie vraiment basique.  J’ai appris ce riff-là via d’autres méthodes et expériences.  J’ai remarqué que c’était le même pattern de batterie qui revenait très souvent.

 

LE pattern de batterie répété si souvent

C’est vraiment de base.  Je vais le décortiquer :

 

En premier le kick.  Il est joué sur tous les temps.

-Ensuite, le snare.  Il est sur les temps pairs (2e temps et 4e temps)

-Ensuite, le Hi-Hat est joué sur les temps et contre-temps.  Si je peux vous parler en notes, il est joué en croche.  (voir l’article sur le rythme)

 

Tout ça combiné ensemble donne un riff de batterie de base!  Vous pouvez changer le tempo ou encore la batterie dans son ensemble.

 

Si dans votre composition, vous ne savez vraiment pas quoi faire avec la batterie, partez de ça!  Ajoutez-y des variantes en écoutant d’autres musiques.

 

***Sinon, il y a mon collègue Julien de Apprendre-le-home-studio.fr qui a publié un article sur plusieurs patterns de drums qui existe dans la musique.  Je vous invite à aller voir!***

***Aussi, j’ai mon ami Dario de Créer-sa-propre-musique.com qui donne beaucoup de conseils par rapport au beatmaking et à la composition musicale!***

 

Donc, j’espère que vous avez aimé cette vidéo-là.  Je vous invite à écrire vos commentaires ci-dessous et ça va me faire plaisir d’y répondre.  Mais en attendant, je suis Bruno du blog ComposerSimplement et je vous dis portez-vous bien!

Comment utiliser la marche harmonique

Il y a différentes façons d’ajouter de la couleur à nos chansons, particulièrement au niveau harmonique.  En effet, une de ceux-là s’appelle “marche harmonique”.  Mais qu’est-ce?  La marche harmonique est une progression d’accords formé à partir d’un modèle transposé.  Une fois en place, le modèle peut se transposer et ainsi, le reste s’appelle des imitations ou encore des représentations.  Pas sûr de comprendre?  Pas de panique!  Je vais vous expliquer!

 

Retour au cycle

Premièrement, pour former un modèle, il vaut des accords!  Juste avant, prenez-vous une gamme.  Comme j’ai envie de rester simple, j’opte pour Do Majeur!

Ensuite , sélectionnez-vous des accords faisant partie de la gamme.  Pour ça, reprenons le cycle des quintes!  On va prendre 2 accords sensiblement proches.

cycle-des-quintes-simplifié2

Comme j’ai encore une fois envie de rester simple, je prends Do-Fa.  Si vous vous rappelez de l’harmonisation d’une gamme, Do et Sol sont, par défaut des accords majeurs.  De plus dans la gamme, leurs degrés sont les suivant : I (Do) et V (Sol).  Maintenant, appliquons-les à la marche harmonique.

Marche harmonique modulante

Maintenant que nous avons nos accords, appliquons-les à une marche harmonique modulante.  Quelle est la définition?  Le modèle (donc ici I-IV) sera appliqué et se répètera durant autant de mesure désirée.  Je vais vous montrer un exemple :

Avez-vous entendu?  Dans cet exemple, les gammes durant les mesures était les suivantes : Do Majeur – La Majeur – Sol Majeur – Ré Majeur .  La progression d’accords n’a pas changé sur les 4 mesures!  C’est la gamme qui a changé à chaque coup.  Attention à ne pas trop faire moduler!  Trop de modulation tue la modulation!

Marche harmonique unitonale

Bon, vous l’aurez deviné, mais si “modulante” signifie qu’il y a un changement de gamme, l’unitonale veut dire qu’il n’y a pas de changement de tonalité!  En fait, en unitonale, les degrés vont changer.  La seule chose qui reste identique, ce sont les intervalles entre les degrés.

Par exemple, il y a un bon de 3 degrés entre I et IV.  Alors, il vous faudra faire des bonds de 3 degrés dans chaque imitation!

Ou encore, vous faites un bond de 3 degrés. Vous prenez un degré sensiblement proche et vous refaites un bond de 3 degrés!

C’est flou?  Je sais!  Je vais vous faire écouter 2 exemples et je vous reviens par la suite :

Dans le premier exemple, il y a des bonds de 3 degrés à chaque fois.

I – IV – VII – III – VI – II – V – I.

Dans le deuxième, l’intervalle était respectée, mais je revenais 2 degrés plus loin avant de refaire mon bond de 3 degrés :

I – IV – II – V – III – VI – IV – VII

***Attention toutefois!  Il est important de ne pas faire répéter 2 fois le même motif identique!  Conséquence : l’auditeur anticipe ce qui va venir et tout ça rend la composition prévisible!***

T’as des exemples de chansons célèbres?

Bien sûr!  Les 2 chansons ont faites leur preuves!

 

Conclusion

Et voilà!  J’espère vous avoir aidé en vous donnant ce trucs.  Je l’ai découvert récemment et je pense en faire usage bientôt!  Écrivez-moi vos commentaires et suggestions ci-dessous!  Sur ce, portez-vous bien!

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